Playlist

Wu Ming: “UFO 78”.
Assoziation A, Hamburg 2023,
448 S., Hardcover
ca. CHF 34.— / EUR 28
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“Les couilles enragées” gehört zum französischen Kulturkanon und ist gerade als Buch wieder aufgelegt worden.
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“Traumzeit” ist offensichtlich bei edition suhrkamp immer noch lieferbar.

Sherlock Holmes in Pulp

Die erfolgreiche Autorin Miss Delphina Cruyshank lebt abgeschottet in der Krone eines futuristisch anmutenden Turms mit Glaskuppel. Von unten gesehen, hebt sich die schwarz-grau-blaue Silhouette des Bauwerks gegen einen purpurfarbenen Nachthimmel voller Sterne ab – schon die ersten Bilder des Comics Jean Ray’s Harry Dickson. 1. Mysteras etablieren eine unheimliche und phantastisch angehauchte Stimmung, die auch auf den folgenden ereignisreichen Seiten andauert. Miss Cruyshank beobachtet per Teleskop eine neuartige Hinrichtungsmethode im Gefängnis gegenüber. Kurz darauf ist sie spurlos verschwunden – zurück bleibt nur ein unfertiges Manuskript ihres neuesten Romans Mysteras. Der Wissenschaftler, der die Todesspritze gab, wurde ermordet, und der Seziertisch, auf dem die Leiche des Hingerichteten lag, ist leer.
Gut, dass Detektiv Harry Dickson und sein junger Assistent Tom Wills gerade von einem Angelausflug in Schottland nach London in die Baker Street 111B zurückkehren. Ihre Vermieterin, Ms. Crown, bringt die Herren sogleich auf den Stand der Dinge, den Rest erfahren die beiden wie auch die Leser*innen durch die Lektüre der Zeitungen.
Harry Dickson und Tom Wills wohnen nicht zufällig nur ein paar Häuser weiter als ihre literarischen Kollegen Sherlock Holmes und Dr. Watson. Der belgische Autor Jean Ray (ein nom de plume des 1887 in Gent geborenen und 1964 ebenfalls dort gestorbenen Raymond Jean-Marie De Kremer) hatte Ende der 1920er-Jahre den Job angenommen, eine Reihe von ursprünglich deutschen Krimi-Heften über Harry Dickson, den amerikanischen Sherlock Holmes, zu übersetzen. Ray fand die Texte so schlecht, dass er schliesslich auf Grundlage der Originalserie eigene Geschichten schrieb, eine haarsträubender als die andere.¶ Nun haben der Autor Doug Headline (Sohn des Schriftstellers Jean-Patrick Manchette) und seine Kollegin Luana Vergari mit Mysteras einen ersten Fall des “amerikanischen Sherlock Holmes” (der allerdings in London sesshaft ist) in ein Comic-Szenario übertragen, das der italienische Zeichner Onofrio Catacchio in franko-belgischem Stil mit abwechslungsreicher Seitenarchitektur und knalligen Lautmalereien in Bilder gesetzt hat. Der Japaner Hiroyuki Ooshima leuchtet die Story voller überraschender Wendungen mit expressiver Farbgebung perfekt aus. Eine herrliche Pulp-Lektüre, die nach Fortsetzung schreit.

Barbara Buchholz

Onofrio Catacchio, Doug Headline, Luana Vergari: “Jean Ray’s Harry Dickson. 1. Mysteras”.
Colorierung: Hiroyuki Ooshima,
übersetzt aus dem Französischen von Resel Rebiersch,
Schreiber & Leser, 64 S.,
Hard­cover, farbig,
ca. CHF 25.— / EUR 17.95

Béatrice und das grosse Los

Mertens hat knapp 30 Jahre beim Film als Set Designer, Art Director, Illustrator, Storyboarder, Fotograf und Grafikdesigner gearbeitet – bei belgischen und europäischen Filmpro­duktionen. Dann, im Alter von 50 Jahren, veröffentlichte er einen Comic mit dem Titel Béatrice, der von der Kritik mit Lob überschüttet wurde. Auf dieses erfolgreiche Debüt liess er gleich einen zweiten Hit folgen, Das grosse Los. Ob ihm wohl die Pandemie Raum und Zeit für die Entstehung der Comics gegeben hat? Wie dem auch sei – sein Debütalbum Béatrice begeisterte Leser*innen, Kritiker*innen und auch Kolleg*innen in höchstem Mass. Béatrice erzählt vom monotonen Leben einer Handschuh-Verkäuferin anfangs der Siebzigerjahre in einem Kaufhaus in einer Stadt, die Brüssel ähnelt. Aufstehen, mit der Eisenbahn zum Kaufhaus fahren, arbeiten, nach Hause fahren, und dabei Françoise Sagans Bonjour Tristesse im Zug oder im Bett lesen – so sehen die Tage der jungen Frau aus. Ihr Leben wird auf den Kopf gestellt, als sie eines Morgens eine rote Tasche im Bahnhof sieht. Am Abend steht die Tasche, unbemerkt von den Menschenmassen, immer noch dort, also nimmt Béatrice sie mit nach Hause. Die Tasche entpuppt sich als ein Fotoalbum aus den 1920er-Jahren, mit Fotos, die ein junges, offensichtlich wohlhabendes Paar zeigen. Von diesen Bildern wird Béatrice in eine geheimnisvolle, luxuriöse Welt entführt, die sehr weit entfernt von ihrem eigenen Leben scheint. Der Comic ist komplett ohne Worte erzählt und zieht die Leser*innen alleine durch die unglaublich detailreichen Farbzeichnungen in seinen Bann. Hier wie auch in Mertens im folgenden Jahr entstandenem zweiten Album Das grosse Los, scheint in jedem Panel Mertens jahrelange Arbeit beim Film durch – die präzise gesetzten Licht- und Schatteneffekte, die Perspektiven und die Auswahl des Bildausschnitts, der Rhythmus – all das ist so nah an einer Filmästhetik, die zwischen Film noir und französischen Krimis der Sechziger und Siebziger zu verorten ist, wie man es selten in dieser Perfektion sieht. Gleiches gilt für die Dramaturgie, die bei beiden Comics mit einem bösen Plot-Twist aufwartet. In Das grosse Los, zeitlich und örtlich gleich angesiedelt wie Béatrice, dieses Mal aber klassisch mit Sprechblasen erzählt, trifft das Schicksal einen einsamen Fahrer einer Wäscherei, der, mit einem neuen Beifahrer konfrontiert, ebenfalls durch Zufall aus seinem Alltagstrott gerissen wird. Und natürlich spielt auch diese Geschichte im Dauerregen, der dafür sorgt, dass sich die Lichter der Grossstadt höchst attraktiv im nassen Kopfsteinpflaster spiegeln.

Christian Meyer-Pröpstl

Joris Mertens: “Das grosse Los”.
Splitter, 144 S. Hardcover, farbig,
ca. CHF 49.90 / EUR 35

Joris Mertens: “Béatrice”.
Splitter, 112 S. Hardcover, farbig,
ca. CHF 37.90 / EUR 25

Natürlich ein Virus

In naher Zukunft wird die Menschheit mit einem mysteriösen Computervirus konfrontiert werden, der den menschlichen Körper in unförmige Gebilde verwandelt. Auch die kleine Kommune von Idealisten, die sich von dem Rest der Welt abschottet und einen Alltag zwischen Bio-Anbau und Beziehungskonflikten lebt, ist von der Pandemie betroffen. Neben fürsorglichen Mutterfiguren, nerdigen Hipstern und einem jungen Liebespaar ist Klaus – von allen liebevoll “Pupute” (französisch für Balg) genannt – vermutlich der auffälligste und interessanteste Protagonist der Kommune. Mit seinem langen, strähnigen Haar und seinem unvorhersehbar verrückten Verhalten erinnert er nicht von ungefähr an den Schauspieler Klaus Kinski. Rastlos sucht er nach Kontaktpunkten mit der teilweise verseuchten Natur, die er auf respektvolle Art liebt.
Der in Genf lebende Autor Yannis La Macchia rief ab 2014 Menschen dazu auf, Anekdoten, Geständnisse, Lügen, Ideen für Geschichten oder Figuren mit ihm zu teilen. So sammelte er rund 400 Textfragmente, die er in seinem Buch Naturellement verarbeitete. In diesem Werk erforscht La Macchia die komplexe Beziehung der Menschen zur Natur, zur Technologie und zueinander. Naturellement zeigt das soziale Verhalten einer Gruppe von Menschen in einer Krisenzeit und kann als soziales Experiment betrachtet werden, genauso wie die Entstehung des Buches selbst ein Experiment darstellt.
Yannis La Macchia lotet immer wieder die Grenzen des Comics aus. Naturellement erscheint parallel als digitale Version auf seiner eigenen Plattform RGB Collection. Die digitale Version weist viele Ähnlichkeiten mit der gedruckten Ausgabe auf, ist jedoch nicht identisch. Die Geschichte ist für eine interaktive Leseerfahrung konzipiert. Am Ende jeder Episode kann die Leserschaft selbst entscheiden, welche Ereignisse oder Figuren sie weiterverfolgen möchte. Leider enttäuschen viele der interaktiven Comics, doch umso schöner ist es, die Printversion in den Händen zu halten. La Macchias Zeichenstil, die unkonventionelle Seitengestaltung, die Sprechblasen und die pastellene Farbpalette wirken wie eine organische Einheit.

Giovanni Peduto

Yannis La Macchia: “Naturellement”.
Atrabile, 264 S.,
Softcover, farbig,
ca. CHF 33.— / 30 EUR
Digitale Version auf:
collectionrvb.com/naturellement
EUR 6.50

Der Pate der Lower East Side

“Jeder weiss, dass Mr. Patterson der Bürgermeister der Lower East Side ist”, beschrieb der Künstler Boris Lurie seinen Freund Clayton Patterson. “Wenn er durch die Strassen der Lower East Side geht, gefolgt von seiner Waffenmeisterin Elsa Rensaa, zittern die Bürgersteige der ehemals jüdischen Lower East Side.” Zwar nicht als Bürgermeister, aber als “Pate der Lower East Side” interpretiert eine von Julian Voloj zusammengestellte und herausgegebene Comicdokumentation den 1948 in Kanada geborenen bildenden Künstler, Fotografen, Dokumentaristen, Archivar, Geschäftsmann und Aktivisten, der 1979 pünktlich zur Hochzeit des Punk nach New York zog. Volojs Anspruch war es, den zahlreichen Facetten dieses ausserhalb von New York wenig bekannten Lebens eine ästhetische Entsprechung zu geben und hat daher unterschiedliche Comic-Zeichner*innen gebeten, jeweils eine Episode aus Claytons Leben umzusetzen, zusammengehalten von einem Fotocomic – eine Hommage an den Fotografen Patterson, der die Interviewsituation dokumentiert. Bekannte Namen sind keine darunter, wichtiger war Voloj das Interesse an Clayton und der Lower East Side. Gemeinsam ist den Zeichner*innen, dass sie einen Bezug zur Stadt New York haben, ihr Stil reicht von überwiegend am Underground-Comic angelehnten Zeichnungen bis hin zu Collagen.
Pattersons Leben ist in der Tat faszinierend: Aus ärmlichen Verhältnissen stammend, schafft er den Sprung auf eine Kunsthochschule, wird Kunstlehrer und zieht schliesslich mit seiner Lebensgefährtin Elsa Rensaa nach New York. Hier wächst sein Hauptwerk – eine Dokumentation der Lower East Side in all ihren Facetten. Er archiviert leere Heroinpäckchen mit den Tags der unterschiedlichen Strassengangs, Demotransparente, Flyer, Kunst ansässiger Künstler*innen – letztlich sammelt er eine halbe Million Fotos und Tausende Stunden Videomaterial. Darüber hinaus engagiert er sich für die Legalisierung des Tätowierens – in New York bis 1997 illegal, gegen Polzeigewalt und Gentrifizierung, arbeitet als Galerist und Künstler und designt erfolgreich Baseballmützen, die Clayton Hats. Einige der Themen können in den Comics nur kurz angerissen werden, und wie es Anthologien eigen ist, gelingt es manchen Zeichnern besser, das Faszinosum Clayton Patterson zu vermitteln, während andere etwas blass bleiben. Doch soll diese Kritik nicht davon ablenken, dass mit Clayton. Der Pate der Lower East Side ein vielseitiges und facettenreiches Porträt eines bemerkenswerten Künstlers gelungen ist.

Jonas Engelmann

Julian Voloj (Hg.): “Clayton. Der Pate der Lower East Side”.
Goldenpress, 112 S.,
Hardcover, s/w,
ca. CHF 35.90 / EUR 28

Kommunistenhatz und Polio

Nicht allzu oft gelingt es derart gut, einen Comic auf dem schmalen Grat zwischen Jugend- und Erwachsenen-Literatur anzusiedeln wie Liam Francis Walsh mit Red Scare. Der auf einer Farm in Wisconsin aufgewachsene Autor, Cartoonist und Illustrator für u.a. The New Yorker, Reader’s Digest, Esquire, und The Guardian lebt inzwischen mit seiner Familie in der italienischen Schweiz. Red Scare, nach zwei illustrierten Kinderbüchern seine erste Graphic Novel, entführt die Leser*innen in ein sehr authentisch geschildertes Nordamerika im Jahr 1953. Zwei Krankheiten wüten im ganzen Land, so auch in der typisch amerikanischen Kleinstadt, der Heimat der Schülerin Peggy: Kinderlähmung und die Jagd auf Kommunist*innen.
Peggy, die seit ihrer Polio-Erkrankung an Krücken geht, findet einen merkwürdigen rot schimmernden Stab, der ihr Flügel verleiht – wenn sie ihn in Händen hält, kann sie nicht nur ihre Krücken ablegen, sie kann damit sogar fliegen! Während sie in der Schule gemobbt wird und sie sich zuhause mit einem missgünstigen älteren Bruder, einer sich mit Putzjobs abrackernden Mutter, und einem bettlägerigen depressiven Korea-Veteran als Vater herumschlagen muss, gibt ihr der geheimnisvolle Stab die Möglichkeit, all die Unbill bei himmelhohen Ausflügen weit unter sich zu lassen. Doch schon bald ist das FBI hinter dem Stab und somit auch hinter ihr her. Unterstützung erhält sie von der Nachbarin, die auch auf ihre Schule geht, aber bald Opfer der “Red Scare”, der allgegenwärtigen Angst vor vermeintlich kommunistischen Umtrieben, wird, weil ihr Vater eben tatsächlich in der Kommunistischen Partei ist. Unglaublich empathisch aber zugleich auch actionreich erzählt Walsh in seinem Comic-Debüt von einer Zeit der Verunsicherung und Denunziation, die leider auch heute wieder aktuell ist.
Zeichnerisch ist Walsh von seinen erklärten Vorbildern Alan Moore, Mike Mignola, Bill Watterson und Hergé beeinflusst, muss sich aber – auch dramaturgisch – vor keinem seiner Vorbilder verstecken. Die Frage, ob der Comic nun für Jugendliche, Erwachsene oder für alle gleichermassen geeignet ist, verliert sich bei der lustvollen Lektüre schnell. Allein der hohe Preis könnte eine Verbreitung von Red Scare unter Jugendlichen verhindern.

Christian Meyer-Pröpstl

Liam Francis Walsh: “Red Scare”.
Toonfish, 240 S., Hardcover, farbig,
CHF 55.90 / EUR 39.95

Seek you – wo seid ihr?

Einsamkeit ist etwas anderes als Alleinsein. Einsamkeit ist eine Art Distanz zu anderen, die für Betroffene selbst dann nicht aufhört, wenn sie sich mitten unter Menschen befinden. “Einsamkeit fühlt sich für mich an, als wäre ich unter Wasser, als würde ich gegen eine stumme Welt ankämpfen, in der das Geräusch meines eigenen Körpers in der Stille um mich herum laut ist”, schreibt die amerikanische Autorin und Comic-Zeichnerin Kristen Radtke in ihrer Graphic Novel Seek You. Darin macht sie sich auf eine rund 350 Seiten lange Reise, um die Einsamkeit in ihren vielen Facetten zu erkunden, und um für sich – wie für andere – Auswege zu finden, die aus der schmerzlichen Selbst-Einigelung herausführen.
Radtke vergleicht die Einsamkeit mit der Liebe und liest beide als Ausdruck dessen, wie sehr eine Person mit ihren Mitmenschen verbunden ist: “Einsamkeit füllt die Lücke zwischen den Beziehungen, die jemand hat, und den Beziehungen, die jemand will.” Radtke idealisiert die Einsamkeit nicht, noch verteufelt sie sie. Sie betrachtet sie als gesellschaftliches Phänomen, das sie aufgrund ihrer Erfahrungen verstehen will.
Entstanden ist eine Graphic Novel, die Essay, Autobiografie und Sachbuch zugleich ist. Radtke verzichtet auf exzessive Nabelschau. Sie nutzt ihre Biografie, um die Ursachen und Erscheinungsformen der Einsamkeit sachlich, authentisch und eindringlich vorzutragen. Dieser Fokus auf das Phänomen, seine Erklärung und Einordnung unterscheidet Seek You von anderen Graphic Novels, die sich mit seelischen Leiden befassen, und wie sich diese auf eine Person und ihr Umfeld auswirken.
Radtke vermeidet es, Einsamkeit auf eine einzige Ursache zurückführen – auf übermässigen Smartphone-Gebrauch etwa. Vielmehr zeigt sie, dass sie verschiedene Auslöser haben kann, zum Beispiel den Verlust von Angehörigen, einen Umzug vom Land in die Stadt oder ein Mangel an Berührungen.
Auch beim Einfluss von Technologien zeichnet sie nach, wie gewisse Menschen schon vor dem Aufkommen der Social Media eher virtuelle als reale Beziehungen pflegten. Ihr Vater zum Beispiel verbrachte Stunden am Kurzwellenradio, um andere funkende Menschen aufzuspüren. Von daher stammt auch der Titel: “CQ”, (für “seek you”, “suche dich”) ist der allgemein gebräuchliche Anruf im Funkverkehr.
Bei Kristen Radtke steht der Titel sinnbildlich für die Hoffnung, dass “jede*r von uns eine Stimme hört, die Antwort gibt”. Erschienen ist Seek You im Schweizer Verlag Helvetiq, der den Comic sowohl auf Deutsch als auch auf Französisch verlegt.

Florian Meyer

Kristen Radtke: “Seek you. Eine Reise in die Einsamkeit”.
Helvetiq, 352 S.
Hardcover, farbig.
CHF 39.— / EUR 29

Von Menschen und Ameisen

20 Billiarden – das ist eine 20 mit 15 Nullen – Ameisen gibt es auf der Erde, haben im letzten Jahr Forscher*innen errechnet. Die Insekten kommen in tropischen, subtropischen und gemässigten Klimazonen aller Kontinente vor, manche sogar in den subarktischen Zonen Sibiriens. Dabei organisieren sich Ameisen in Staaten mit bis zu 20 Millionen Tieren, die wiederum streng hierarchisch in Kasten organisiert sind, meist mit einer Königin und einem Heer von Arbeiterinnen und Soldatinnen. Letzteres ist tatsächlich einer der grösseren Unterschiede zum Menschen, denn die Ameisenvölker bestehen vor allem aus weiblichen Tieren, Männchen gibt es nur, um die Jungköniginnen zu begatten.
Kurd Lasswitz gilt als Begründer des deutschsprachigen Science-Fiction-Genres, er widmete sich in seinem Buch Aus dem Tagebuch einer Ameise von 1908 den grossen Fragen der Menschheit. Dabei wendete er den Kunstgriff an, eine Ameise von ihren Forschungsergebnissen über das “grobschlächtige Knochentier namens Mensch” berichten zu lassen. Vor allem über den Wunsch der Menschen nach Individualismus, Freiheit und selbstbestimmtem Handeln wundert sich die Ameise, und was die Menschen unter “Liebe” verstehen, ist für sie absolut unverständlich. Lasswitz’ pazifistisches und humanistisches Weltbild findet sich in all seinen Texten wieder, und so verwundert es nicht, dass sie im sogenannten Dritten Reich verboten wurden, und danach leider in Vergessenheit geraten sind. Nun sind die Betrachtungen der Ameise in einer grossartigen Neuausgabe wieder erhältlich, mit ausdrucksvollen Illustrationen von Katia Fouquet. In ihren Zeichnungen nimmt Fouquet den Blickwinkel der Ameise ein, so dass die Menschen in Untersicht zum Teil grotesk überzeichnet und monsterhaft dargestellt sind. Denn für die Ameise stellen die Menschen allein aufgrund ihrer physischen Grösse eine ständige Bedrohung dar, auch für ihr streng hierarchisches Ameisen-Weltbild. Zugleich verachtet die Ameise die Menschen für ihren Individualismus. Wie so oft führt Angst zu Abwertung, und dieses Feindbild Mensch hat Fouquet ausdrucksvoll expressionistisch in Szene gesetzt.

Matthias Schneider

Kurd Lasswitz: “Aus dem Tagebuch einer Ameise”,
illustriert von Katia Fouquet,
Favoriten Presse, 64 S.,
Hardcover, zweifarbig,
ca. CHF 20.— / EUR 16

Unbequeme Lektüre

Aaron verbringt den Sommer mit der Vorbereitung von Prüfungen. Gleichförmig plätschern die Tage dahin, Aaron verbringt viel Zeit am Fenster und ertappt sich dabei, wie er immer öfter einen Jungen beobachtet, der auf dem nahen Sportplatz Fussball spielt. Bald kauft Aaron einen Ball und versucht, den Buben zum gemeinsamen Kicken zu überreden.
Aaron ist eine irritierende Graphic Novel. Der Autor und Zeichner Ben Gijsemans umkreist den inneren Konflikt eines jungen Mannes, der – selber überrascht, verwirrt, ja verstört von dem, was in ihm vorgeht – seine pädophilen Neigungen entdeckt und nicht weiss, wie er damit umgehen soll. Das Thema erfordert Mut: Pädophilie ist tabu, und der künstlerische Umgang damit im heutigen Kontext rascher Empörungen eine Gratwanderung. Diese meistert Ben Gijsemans bravourös.
Aaron ist betont langsam erzählt. Formal fällt die rigide Seitengestaltung ins Auge: Jede Seite besteht aus vier mal drei gleichgrossen Bildern. Stilistisch treten überdies die langen Bildsequenzen hervor, in denen nichts zu geschehen scheint. Die Bilder wiederholen sich in leichten, eine Entwicklung oder auch Stillstand andeutenden Variationen. Ausserdem verzichtet Gijsemans auf eine Innensicht des Protagonisten, es gibt keine inneren Monologe, und wegen der Tabuisierung seiner Veranlagung kann er mit niemandem darüber sprechen. Umso wichtiger sind die Gesten des Zögerns, die Mimik des Zweifelns, die seine wachsende Verzweiflung – denn er weiss, dass sein Begehren falsch ist – zum Ausdruck bringen.
Die undramatische Erzählweise ist inhaltlich sinnvoll und ein Grund für die Wirkung dieser Graphic Novel. Aaron ist kein Spektakel, das emotional mitreisst oder intellektuell bevormundet. Die Leser*innen müssen selber nachvollziehen, was in Aaron vorgeht, wie er mit sich und seinen pädophilen Neigungen ringt.
Als Kontrast fungieren die alten Superhelden-Comics, mit denen sich Aaron ablenkt und die auch für die Leser*innen eine willkommene Entspannung bedeuten. Ben Gijsemans gestaltet seine Pastiches billiger Comic-Hefte stilsicher und liebevoll. Auch inhaltlich schafft das einen Kontrapunkt zu Aarons Tragödie. In diesen eskapistischen Fluchtwelten gibt es nur Gut und Böse und keine Grauzone des Zweifelns.
Es ist beeindruckend, wie Gijsemans das Erwachen der Pädophilie in Aaron vermittelt, ohne zu moralisieren und zu verurteilen, aber auch ohne Voyeurismus oder Sensationalismus. Das macht aus Aaron eine unbequeme, aber eindringliche Lektüre.

Christian Gasser

Ben Gijsemans: “Aaron”.
Aus dem Niederländischen von Rolf Erdorf,
Edition Moderne, 220 S.,
Hardcover, farbig,
ca. CHF 42.— / EUR 35

Ein deutsches Tier im deutschen Wald

“Das donnernde Lachen, das auf Kerstins Ohren schlägt, bedeutet, dass der Spass vorbei ist und sie nur noch rennen sollte”, so schildert Anke Feuchtenberger die Angst der Protagonistin Kerstin in ihrem neuesten Werk Genossin Kuckuck. “Noch in der scheinbaren Sicherheit ihres Badezimmers spürt Kerstin den Sog, der von der offenen Stelle auf ihrem mit nassem Blut gefüllten Körper ausging.” “Das Unheimliche ist das ehemals Heimische, Altvertraute”, hat Sigmund Freud in seiner Auseinandersetzung mit dem Unheimlichen geschrieben; vertraute Orte und Situationen, die ins Unheimliche kippen, sind es auch, die seit jeher im Mittelpunkt des Werks von Anke Feuchtenberger stehen. Dies gilt für die Bilder, die sie wählt: Masken, Doppelgänger, Totenköpfe, Gräber oder Schnitte in Körper. Es gilt aber auch für die Form ihrer Comics: Das Unheimliche stellt sich etwa durch ihre Verweigerung dar, Erklärungen für die Bilder anzubieten, surreale Situationen aufzulösen oder auch nur eine auf den ersten Blick zu erfassende Handlung voranschreiten zu lassen. “Ich hatte immer das Gefühl, noch mehr verkürzen zu wollen”, so Feuchtenberger in einem Interview. “Noch kürzere Texte und weitere Sprünge zwischen den einzelnen Bildern, so dass man von einem Bild zum nächsten das Gefühl hat, dazwischen würden ziemlich viele Bilder liegen, die ich nicht zeichne.” Diese nicht gezeichneten Bilder, in denen das Unheimliche in der Vorstellung der Leser*innen fortgeführt wird, verweisen auf das Verdrängte, das für Freud im Zentrum des Unheimlichen steht. Von dieser Suche nach dem Verdrängten, nach dem ins Unbewusste Abgedrängten, handelt auch Genossin Kuckuck, das als autobiografische Auseinandersetzung mit dem Aufwachsen in der DDR – als “Ein deutsches Tier im deutschen Wald”, wie es im Untertitel heisst – gelesen werden kann. Tiere spielen ebenso wie der Wald eine zentrale Rolle, eng verknüpft mit Dunkelheit, Feuchtigkeit, Pilzen, Schlamm und Schleim. Daneben finden sich düstere Zeichnungen von Landschaften. Feuchtenberger setzt sich in detailreichen Kohle­zeichnungen, in meist nur zwei Panels pro Buchseite, mit ihrem kindlichen Selbst auseinander, befragt ihre Vergangenheit nach Kriegstraumata der Elterngeneration und deren Auswirkungen auf die Erziehung, nach Missbrauch und Abhängigkeiten, Freundschaften und schwierigen Familienstrukturen. Die Sprache bewegt sich in ähnlichen Formen wie die Bilder, zwischen surreal und konkret, zwischen Andeutung und Anklage. Zwischen 2009 bis 2023 ist das Buch gewachsen und es ist, wenn man sich darauf einzulassen bereit ist, Feuchtenbergers Meisterwerk geworden.

Jonas Engelmann

Anke Feuchtenberger: “Genossin Kuckuck. Ein deutsches Tier im deutschen Wald”.
Reprodukt, 448 S.,
Hardcover, s/w,
CHF 58.50 / EUR 44

Harkham im Offbeat

Ich weiss nicht, ob andere Leser*innen diesen Rhythmus ebenfalls spüren, aber für mich scheint es, als ob Harkham im Offbeat erzählen würde, als ob sich seine Geschichte jeweils zwischen den Herzschlägen seiner Figuren vorwärtsbewegen würde. Im Laufe der Jahre hat sich Harkham zu einem hervorragenden Zeichner entwickelt – sein Stil, eine Art amerikanische Ligne claire, ist von klassischen Strip-Künstlern wie Roy Crane und Frank King beeinflusst, aber letztlich ist es sein visuelles Tempo, das ihn am meisten auszeichnet.
Harkham kennt man als Herausgeber von Kramers Ergot, einer Publikation, die man ohne Weiteres als die bedeutendste und einflussreichste amerikanische Comic-Anthologie seit RAW bezeichnen könnte. Während Art Spiegelman und Françoise Mouly ihre Generation von Underground-Comic-Zeichner*innen erfolgreich als Künstler*innen porträtierten, kümmerte sich Harkham im Wesentlichen um die GenX/Millennial-Zeichner*innen wie Gabrielle Bell, Mat Brinkman, Jordan Crane, Kevin Huizinga, Anders Nilsen, Lauren Weinstein und Lale Westvind. (Wenn Sie Exemplare von Kramers Ergot aufspüren können, insbesondere die grossartige Nr. 7, werden Sie ungeahnte Glücksgefühle erleben).
Harkhams neues Buch, Blood of the Virgin, erschien als Fortsetzungsroman in Kramers Ergot sowie in seinem sehr persönlich gehaltenen Comic Crickets. BotV, eine beeindruckende 300-seitige Saga, handelt vordergründig von der Filmindustrie in den späten 1960er- und frühen 1970er-Jahren, als das alte Studiosystem vom unabhängigen Filmemachen überrollt wurde. Aber die Filme, um die es hier geht, sind weder Hollywood-Blockbuster noch hingerotzte Streifen wie Quentin Tarantinos Once Upon a Time in Hollywood. Der Protagonist von BotV, Seymour, arbeitet in der Welt des Grindhouse-Kinos, aber selbst da weit entfernt von Autorenfilmern wie Roger Corman und George Romero. Seymour verbringt seine Tage und Nächte mit dem undankbaren Versuch, Filme aus minderwertigen B-Film-Rollen zusammenzuschnippeln, während er auf eine glückliche Chance hofft, die wahrscheinlich nie kommen wird.
Vordergründig geht es ums Filmemachen, aber die wahren Themen von BotV sind tiefer und komplizierter – es geht um das menschliche Bedürfnis, etwas zu schaffen; um die Anforderungen und Erwartungen in persönlichen und geschäftlichen Beziehungen; um Probleme der Identität; um den Umgang mit Widrigkeiten; um Kompromisse, die wir für uns nahestehende Menschen eingehen, und um die Ausreden, die wir für uns selbst erfinden; um die Risiken des Geldverdienens; und um die grausame Tatsache, dass selbst ein sogenannt glückliches Leben voller Sorgen und Frustrationen sein kann. Ich habe es genossen, mit Freund*innen, über dieses Buch zu diskutieren und dabei noch weitere Themen anzusprechen, wie z.B. die verschiedenen Facetten des Judentums oder die stille Aufopferung von Ehefrauen und Müttern. Seymour ist zwar der Protagonist dieses Buches, aber seine Frau Ida ist die Heldin. Die meiste Zeit des Buches ist sie nur eine Nebenfigur (leider auch in Seymours Augen), aber am Ende bekommt sie ihre eigene Geschichte und ist sogar die Hoffnungsträgerin des Buches – alles wird gut, auch wenn die Reise dorthin beschwerlich ist.
Einige von uns wurden auf Harkhams Arbeit wohl durch Poor Sailor aufmerksam, eine wortlose Geschichte, erschienen in Kramers Ergot, die später als kleinformatiges Buch mit nur einem Panel pro Seite veröffentlicht wurde. Der Titel des Buches ist eine Untertreibung, die titelgebende Figur erträgt ein Leben wie Hiob, ein Unglück jagt das nächste. Seymours Leben ist weniger ein Gleichnis, weniger tragisch, aber psychologisch ausführlicher und realistischer beschrieben als das des armen Seemanns in Poor Sailor. Und am Ende gibt es eine Art Erlösung, die weit weniger melodramatisch ist als in den fantastischen Filmen, die Seymour liebt, sondern eher dem wirklichen Leben entspricht.

Mark David Nevins

Sammy Harkham: “Blood of the Virgin”.
Reprodukt 2023, 296 S.,
Hardcover, teilweise farbig,
ca. CHF 45.— / EUR 39

“Ich würde lieber nicht …”

Moby Dick, erschienen 1851, ist sicherlich Melvilles bekanntestes Werk, aber auch seine zwei Jahre später erschienene Kurzgeschichte Bartleby, der Schreiber ist ein zeitloses literarisches Meisterwerk, das auch heute noch unterschiedlichste Interpretationen evoziert. Der Verlag Edition de Bagatelle hat nun eine von Andrea Wandinger illustrierte Ausgabe veröffentlicht. Der Verlag ist auf Initiative der Kunstakademien Leipzig und Hamburg ins Leben gerufen worden, zur Förderung der Magisterstudent*innen der Buchillustration; ein tolles Projekt, in dem bereits mehrere kanonische Texte der Weltliteratur neu illustriert erschienen sind. Bartleby ist ein junger Mann, der im New York des frühen 19. Jahrhunderts im Bankenwesen in einer Schreibstube zu arbeiten beginnt. Recht schnell eckt er mit seiner Eigenwilligkeit bei Vorgesetzten und Kolleg*innen an, denn er verweigert die Teilnahme an der Arbeit als auch am sozialen Leben mit: “Ich möchte lieber nicht”. Selbst sein Vorgesetzter, der Ich-Erzähler der Geschichte, der sehr viel Geduld und auch eine gewisse Sympathie für Bartleby hegt, dringt nicht zu ihm durch, und ist sichtlich betroffen, als er von dessen tragischem Ende erfährt. Die zweifarbigen Illustrationen von Wandinger fangen die eigentümliche Stimmung, aber auch die Komik der Geschichte elegant ein, so dass man sich noch mehr Bilder im Buch wünschte. Es ist Wandingers klarer Strich, der doch skizzenhaft bleibt, und die dezenten Schattierungen, gerade bei der Darstellung von Gebäuden, die beim Betrachten und der Lektüre grosse Freude bereiten.

Zu den Klassikern der deutschen Nachkriegsliteratur zählen Wolfgang Hildesheimers Lieblose Legenden, eine Sammlung von absurden und unterhaltsamen Kurzgeschichten. Hildesheimer gehörte zu den wenigen jüdischen Deutschen, die nach dem Nationalsozialismus aus Palästina nach Deutschland zurückkehrten. Als Maler und Zeichner hatte Hildesheimer kaum Erfolg, und so wurde er aus finanziellen Gründen Autor. Nachdem er aufgrund seiner satirischen Kurzgeschichten in die Gruppe 47 aufgenommen worden war, rissen sich die Verlage um ihn. Für die Neuausgabe der Lieblosen Legenden hat nun Christoph Ruck­häberle, Gründer des Lubok Verlages und Maler, der der Neuen Leipziger Schule zugerechnet wird, grafisch äusserst prägnante Linolschnitte gefertigt, die den Humor und die Klarheit von Hildesheimers Texten kon­genial widerspiegeln. Es ist äusserst be­eindruckend, wie Ruckhäberle in seinen Druckgrafiken sowohl expressionistische, surrealistische als auch naive Kunststile virtuos anwendet und diese in Einklang mit den Texten Hildesheimers bringt. Ein Highlight der Illustrationskunst!

Matthias Schneider

Herman Melville: “Bartleby, der Schreiber”,
Illustrationen von Andrea Wandinger,
Edition de Bagatelle, Faber & Faber, 64 S.,
Softcover, zweifarbig,
ca. CHF 25.— / EUR 20

Wolfgang Hildesheimer: “Lieblose Legenden”, Linolschnitte von Christoph Ruckhäberle,
Faber & Faber, 120 S.,
Hardcover, s/w,
ca. CHF 100.— / EUR 90

Paranormales und Mysteriöses

Wer Matt Kindts MIND MGMT beurteilen möchte, müsste eigentlich zuerst ein neues Genre der Comic-Kritik erfinden: die paradoxe Rezension. Denn raffiniert und schelmisch unterläuft der amerikanische Comic-Autor die gängigen Muster der Graphic Novels. Bereits das Cover provoziert den ersten Trugschluss, wer flüchtig hinsieht, denkt kaum an einen unterhaltsamen Comic angesichts der Aneinanderreihung psychologischer Begriffe und dem schwach angedeuteten Konterfei eines Gesichts, was zusammen mit dem enigmatischen Titel an eine wissenschaftliche Abhandlung über psychologische Kriegsführung gemahnt. Der eigentliche Titel, Der Manager und der Futurist, erscheint erst beim Aufklappen.
Dasselbe gilt für den Inhalt, denn obwohl MIND MGMT ein regelrechter Page Turner ist, der einen von der ersten Seite an fesselt, wirkt die blosse Zusammenfassung des Inhalts wie eine dröge Kopie von Marvels X-Men: Das streng geheime Regierungsprogramm MIND MGMT bildet Agent*innen mit übersinnlichen Kräften aus. Diese bekämpfen andere geheimnisvolle Menschen mit ebenfalls paranormalen Fähigkeiten.
Im Mittelpunkt der aberwitzigen Handlung steht die mässig erfolgreiche Journalistin und Autorin Meru, die über den mysteriösen Flug 815 recherchiert, bei dem alle Passagiere ihr Gedächtnis verloren haben. Bald hat sie eine heisse Spur, doch wird sie jetzt zur Gejagten; mafiöse Gestalten und Geheimagent*innen heften sich an ihre Fersen. Mit fortlaufender Handlung wird den Leser*innen immer klarer, dass Merus Leben viel enger mit dem Geheimprogramm verwoben ist als ihr selbst bewusst ist.
Matt Kindt ist ein gewiefter Erzähler, der seine Leser*innen bei der Stange halten kann, auch wenn die Handlung einige irre Wendungen nimmt (darin gleicht sie Game of Thrones). Kindt beschreitet auch neue Wege in der Darstellung, indem er am Seitenrand zusätzliche Texte neben die Panels setzt. Einerseits handelt es sich dabei um Einträge aus dem Handbuch für Agent*innen, andererseits wird darin eine fürs Verständnis relevante Nebenhandlung enthüllt.
Die amerikanische Kritik hat Kindts Zeichnungen als Schwäche moniert, und tatsächlich wirkt sein buntstiftartiger Stil bisweilen unfertig und krakelig, dennoch ist Matt Kindt ein Meister der Leser*innenführung, durchaus vom Kaliber eines Jack Kirby. Wer einmal ins Universum von MIND MGMT eintaucht, kommt so schnell nicht wieder raus. Ins Deutsche übertragen und herausgegeben hat MIND MGMT der auf Horror-Comics spezialisierte Schweizer Verlag Skinless Crow.

Florian Meyer

Matt Kindt: “MIND MGMT. Omnibus Band 1: Der Manager und der Futurist”.
Skinless Crow, 368 S.
Hardcover, farbig.
CHF 49.90 / EUR 49.90

In Teufels Küche

Rubin Baksh träumt davon, einen Dokumentarfilm über sein Lieblingsthema zu drehen, das Essen. Dieser Film soll eine dokumentarische Reise durch die Höhepunkte der indischen Küche sein und dem Publikum die kulinarische Exzellenz des Landes näherbringen, ähnlich wie es sein grosses Vorbild Anthony Bourdain, der bekannte Koch, Autor und Comic-Schöpfer, getan hat. Die Nachricht von Bourdains Tod bewegt Rubin dazu, den Schritt zur Realisierung seines Traumes zu wagen. Auf der Suche nach einem Kameramann findet er in dem jungen Mohan einen geeigneten Kandidaten, der anfangs aber nur widerwillig zusagt. Rubin möchte mit diesem Werk ein bleibendes Zeichen setzen und in Erinnerung bleiben.
Rubin Baksh ist ein “Rakshasa”, ein Dämon aus der indischen Mythologie, der traditionell als Feind der Menschen dargestellt wird und gelegentlich Menschen verspeist. Unklar bleibt, ob Rubin seinen kulinarischen Vorlieben treu geblieben ist, was ihn zwielichtig erscheinen lässt. Doch seine Leidenschaft für gutes Essen macht ihn trotz seiner dämonischen Herkunft zu einer sympathischen Figur. Ein Team aus zwei übernatürlichen Detektiven, die ihm auf der Spur sind, hegen aber Zweifel und wollen Rubin aus dem Weg schaffen…
Der erste Teil der Serie Rare Flavours verspricht dank des renommierten Autorenduos Ram V und Filipe Andrade (The Many Deaths of Laila Starr) schon viel. Ram V, selbst aus Indien stammend, setzt die mythologische Hintergrundgeschichte subtil und einfühlsam in Szene. Er verwandelt den Dämon in eine erstaunlich introspektive Figur, die die Leser*innen von der ersten Seite an fasziniert. Der “europäisch” anmutende skizzenhafte Stil und die Farbtöne von Filipe Andrades Bildern fangen die lebhafte Atmosphäre der indischen Schauplätze treffend ein. Ein besonderer Genuss für die Leser ist die Sequenz, in der erklärt wird, wie man einen guten Chai zubereitet.
Nicht nur das Setting ist für einen eher massentauglichen US-Verlag wie Boom! Studios erfrischend innovativ. Mit einem Autor wie Ram V und einem Zeichner wie Filipe Andrade haben sie die besten Zutaten für einen lesenswerten Comic zubereitet.

Giovanni Peduto

Ram V & Filipe Andrade: “Rare Flavours”. Teil 1 von 6. Auf Englisch.
Boom! Studios, 26 S.,
Softcover, farbig, USD 4.99
Die digitale Version ist auf Comixology, iBooks, Kindle u.a. erhältlich.

Schlimmes Schimmern

Vor zartblauem Grund fliegt eine Gestalt in orangeroter Badehose durch die Luft, den Rücken durchgebogen, die Arme ausgebreitet. Es ist ein luftig gestaltetes Bild der Leichtigkeit, das in krassem Kontrast zu den vorangegangenen Panels voller Schwarz, dunklem Rot und grauem Blau steht.
Der abgebildete Springer ist Adrian Pourviseh, Autor und Zeichner des lesenswerten Reportage-Comics Das Schimmern der See. Pourviseh engagiert sich für geflüchtete Menschen, unter anderem ging er ab 2019 als Dolmetscher und Fotograf an Bord des Rettungsschiffs Sea-Watch 3. Die Einsätze der Crew auf dem Mittelmeer dokumentierte er nicht nur mit seiner Kamera, sondern auch mit Einträgen und Zeichnungen in seinem Skizzenbuch. Später verarbeitete Pourviseh seine Aufzeichnungen und Erinnerungen zu einem reportage-artigen Comic. In weichen Strichen und lavierten Farben, schwarzen Flächen und harten weissen Lichtstrahlen erzählt er darin aus seiner Perspektive eines teilnehmenden Beobachtenden vom “Alltag” der zivilen Seenotrettung an Europas Aussengrenzen: Besprechungen, Übungen, Briefings, Pausen – und Einsätze in kleinen Schnellbooten, um Menschen aus nicht seetauglichen Booten vor dem Ertrinken zu retten, nachts aus der im Schein von Stirnlampen und Schiffsleuchten schimmernden See, die notdürftige Versorgung schlimmer Brandwunden und anderer Verletzungen an Bord der Sea-Watch 3.
Pourvisehs Bildsprache wechselt von nüchternen, hellen Farben und ruhigen, dokumentarischen Panels zu packenden Seiten ohne Aufteilung in Kästchen, auf denen alles gleichzeitig zu passieren scheint, und vor schwarzem Grund schlaglichtartig Teile des Geschehens auftauchen. Das ist zuweilen etwas unübersichtlich, auch weil sich manche Figuren aus der Crew so ähnlich sehen, dass es schwierig ist, sie auseinanderzuhalten. Dramaturgisch ist die Geschichte aber gut aufgebaut, mit den dramatischen Rettungseinsätzen als beklemmendem Höhepunkt. In Gesprächen mit den Crew-Mitgliedern und in Kommentartexten vermittelt Pourviseh ausserdem politische Hintergründe. Die anschauliche Kombination aus beidem macht dieses Buch wertvoll.
Und wenn der Dokumentarist am Ende ins Mittelmeer springt, möchte er mit diesem Bild ausdrücken: Er hat die Freiheit, mit seinem europäischen Pass und den dazugehörigen Privilegien zurück nach Marburg zu gehen und sein Leben als freischaffender Comic-Autor weiterzuführen. Und: “Ich kann das Meer noch geniessen.”

Barbara Buchholz

Adrian Pourviseh: “Das Schimmern der See. Als Seenotretter auf dem Mittelmeer”,
Avant-Verlag, 224 S.,
Softcover, farbig,
ca. CHF 35.— / EUR 26

Monster, Patchworkfamilien und klapprige Flieger

Der Einstieg ist fulminant: Ein Taifun braut sich zusammen, der weite Teile von Nagoya verwüsten und die aufgeweckte, zwölfjährige Asada und ihre vielen Geschwister zu Waisen machen wird. Fortan muss sie sich allein im unübersichtlichen Nachkriegsjapan zurechtfinden.
In seiner neusten Serie Asadora! erzählt Naoki Urasawa (nach Bestsellern wie Monster, 20th Century Boys und Billy Bat) die Lebensgeschichte einer jungen Japanerin und rollt dabei die Geschichte Japans seit dem Zweiten Weltkrieg auf. Urasawa webt historische Fakten in seine Geschichte ein, um ihr mehr Glaubwürdigkeit zu verleihen; gewisse Ereignisse tauchen andeutungsweise auf, andere hingegen sind tragende Elemente, so der Taifun von 1959 und die olympischen Sommerspiele von 1964.
In diesem Zeitraum sind die Nachwirkungen des 2. Weltkriegs noch spürbar. Die meisten Figuren in Asadora! tragen ihre inneren und äusseren Verletzungen aus den Kriegsjahren mit sich. So etwa der Militärpilot Kasuga. Er hat sich mit seiner Entlassung aus der Armee nicht abgefunden und schlägt sich als Einbrecher durch, ehe er, nach ihrer denkwürdigen Begegnung, Asadas Ersatzvater und Mentor wird. Oder die mürrische, zunächst unnahbare Ladenbesitzerin Kinuya, die Asada schliesslich bei sich aufnimmt.
Das in einer Urasawa-Story obligate fantastische Element ist ein riesiges Seeungeheuer. Asada hat es während des Taifuns erblickt; fünf Jahre später bedroht es die Spiele von Tokio. Die mittlerweile 17-jährige Asada will zusammen mit Kasuga das Monster unschädlich machen, um den Tod von Asadas Familie zu rächen und Japan zu beschützen. Dabei geraten sie ins Schussfeld von Regierung, Kriminellen und fremden Agenten.
Selten hat Urasawa seine Figuren und ihre Beziehungen so genau und einfühlsam gezeichnet und Action und Fantasy so gekonnt mit Psychologie und Milieustudien verknüpft. Asadora! ist ebenso rasant wie emotional, ein wilder Ritt durch das Japan der Nachkriegszeit. Mit Asadora! legt Naoki Urasawa eine Serie vor, in der er Spannung und Substanz, Popularität und Qualität zu hochkomplexer Unterhaltung verknüpft.

Christian Gasser

Naoki Urasawa: “Asadora!”.
Aus dem Japanischen von Miyuki Tsuji,
Carlsen, bisher 6 Bände, je 184 S.,
Softcover, s/w, je ca.
CHF 17.90 / EUR 12