BOOKLIST

Jules Verne: «Der Kurier des Zaren».
Reclam Taschenbuch, 294 Seiten,
EUR 14 / CHF 16.-

Tom Wolfe: «The Electric Kool-Aid Acid Test.
Die legendäre Reise von Kesey und den Merry Pranksters».
Heyne Taschenbuch, 560 Seiten,
EUR 9,95 / CHF 14.90

«Die schwarze Botin. Ästhetik, Kritik, Polemik, Satire 1976-1980»,
herausgegeben von Vojin Saša Vukadinović.
Wallstein Verlag, 512 Seiten,
EUR 38 /CHF 52.90

Hanna Mittelstädt: «Arbeitet nie! Die Erfindung eines anderen Lebens».
Edition Nautilus, 360 Seiten,
EUR 28 / CHF 41.90

James Sallis: «Driver».
Verlag Liebeskind, 160 Seiten,
EUR 16,90 / CHF 23.90

Roter Staub

Jan Bauer erntete 2014 mit seinem Backpacker-Reisebericht Der salzige Fluss gute Kritiken. Darin erzählte er in schwarzweissen Bildern von seiner Wanderung über Hunderte Kilometer durch das australische Outback auf der Suche nach innerer Einkehr. Es ging damals um die Verarbeitung einer persönlichen Krise. Sein neuer Comic Unter rotem Staub führt wieder nach Australien, in die Wüstensiedlung Yuendumu, bewohnt von Warlpiri-Aborigines, dem Zielort der Wanderung am salzigen Fluss. Dieses Mal aber geht der Blick nach aussen, nimmt Menschen, Mythen und Geschichte des Ortes unter die Lupe. Detailreich zeichnet Bauer die Landschaften mit ihren Felsen, Bäumen und dem weiten Sternenhimmel, die Siedlung mit ihren Wohnhäusern, Zäunen, unbefestigten Wegen. Sich selbst stellt er wieder mit Knopfaugen, gestricheltem Bart und breitkrempigem Hut dar, eine sympathische Figur, die ihre Eindrücke und recherchiertes Wissen mit uns teilt.
Bauers Comic gliedert sich in zwei Teile: Der erste spielt in der Siedlung Yuendumu, wo Bauer nach seiner grossen Wanderung in einem Kunstzentrum als ehrenamtlicher Helfer unterkommt und erste Kontakte knüpft – unter anderem zu einem Warlpiri namens Phil, der ein Freund wird. Die Rückkehr nach Hamburg stellt eine jähe Zäsur dar – plötzlich entfalten sich auf den Seiten keine weiten Landschaften, keine dösenden Hunde, kein Laisser-faire mehr. In ein strenges Raster aus quadratischen Panels gepfercht sind jetzt die Hektik und die Zwänge des Alltags in Hamburg: Mehrspurige Strassen voller Autos mit jeweils einer Person darin, dazwischen winzig klein der Autor auf dem Fahrrad, eilende Menschen mit leeren Blicken, ein Tisch voller Briefe, die bearbeitet werden wollen. Doch das ist ein kurzes Intermezzo auf einer Doppelseite. Denn wie der rote Staub sich nicht aus den Klamotten waschen lässt, bleibt auch die Sehnsucht haften. Bauer kehrt im folgenden Jahr nach Yuendumu zurück – und erfährt, dass Phil nicht mehr lebt. Er begibt sich auf eine Spurensuche, um die letzten Stationen im Leben des Freundes nachzuvollziehen, der in Polizeigewahrsam an Herzversagen starb. Er recherchiert historische Begebenheiten, die bis in die Gegenwart der Aborigines wirken, und illustriert seine Erkenntnisse zum Beispiel in einem gezeichneten aufgeschlagenen Geschichtsbuch mit einfachen Zeichnungen und wenig Text. Am Ende wird Phil im Beisein seiner gesamten Community unter rotem Staub begraben. Jan Bauer hat eine sehr einnehmende Comic-Reportage geschaffen, die unterhaltsam informiert, auch dank der Dokumentation im Anhang.
Barbara Buchholz

Jan Bauer: «Unter rotem Staub»
Avant-Verlag, 256 S.
Softcover, s/w
CHF 31.90 / EUR 26

Holzbein und Zombies

Tillie Walden überzeugte mit der anfangs im Netz veröffentlichten queeren Science-Fiction-Liebesgeschichte Auf einem Sonnenstrahl, dem Road-Comic West, West-Texas oder dem gezeichneten Entwicklungsroman Pirouetten. Nun hat Walden den Auftrag angenommen, eine Geschichte um eine Figur aus dem Universum der Serie The Walking Dead von Robert Kirkman zu entwickeln: Das Mädchen Clementine ist die Hauptfigur eines Computerspiels zur Serie. Sie verliert ihre Eltern in der Zombie-Apokalypse, wird von einem Mann namens Lee in Obhut genommen und bleibt, nachdem auch der von Zombies gebissen wird, alleine zurück.
In Tillie Waldens Comic Clementine 1 (die Serie ist auf drei Teile angelegt) stapft auf den ersten Seiten eine junge Frau mit finster-entschlossenem Blick an hölzernen Krücken durch einen Wald. Von schwarzen Schatten heben sich helle Baumstümpfe ab, aus dem Unterholz kriechen immer wieder untote Gestalten, denen Clementine umgehend eine Krücke über den Schädel zieht oder ein Messer in die Fratze rammt. Clementine ist mittlerweile 17 Jahre alt und stolpert durch postapokalyptische Gegenden der USA nach Norden. In gelegentlichen Flashbacks oder Träumen – grafisch kenntlich gemacht durch eine Art Wolke – tauchen das kleine Mädchen Clementine und ihr Beschützer Lee auf, so dass auch Leser*innen ohne Bezug zu The Walking Dead in etwa ins Bild gesetzt werden. Sehr schnell kommt sie nicht voran, denn unterhalb ihres linken Knies ist ein improvisiertes Holzbein angebracht – das schliesslich auch noch kaputtgeht. Unterwegs erhält Clementine nicht nur eine neue, bessere Prothese, sondern lernt auch den jungen Amos aus einem Amish-Clan kennen, der ebenfalls Richtung Norden will. Die beiden tun sich zusammen und landen in einem verlassenen Ski-Resort, das die Zwillingsschwestern Georgia und Olivia und eine junge Frau namens Ricca als zombie-freie Zuflucht wiederaufbauen wollen. Es bildet sich eine beklemmende Zweckgemeinschaft voller versteckter Bündnisse, gefährlicher Intrigen und Familiengeheimnisse.
Tillie Walden erzählt in Schwarzweiss und Grauschattierungen in kleinteiligen Zeichnungen und schräggestellten oder ineinandergeschobenen Panels, in denen es öfter mal schwerfällt, den Überblick zu behalten, Handlungen nachzuvollziehen oder die Personen voneinander zu unterscheiden. Die Figuren bleiben oberflächlich-undurchschaubar. Die Lust auf die Fortsetzung hält sich in Grenzen.
Barbara Buchholz

Tillie Walden: «Clementine 1»
Übersetzt von Frank Neubauer
Cross Cult, 256 S.
Hardcover, s/w
CHF 39.90 / EUR 26

Kriegstagebuch

«Meine Eltern waren grosse Verehrer der russischen Kultur, der russischen Literatur, der russischen Musik», erklärt der Italiener Igort zu Beginn seiner aktuellen Arbeit Berichte aus der Ukraine (Tagebuch einer Invasion) seine Faszination für Russland, dessen Kultur und Künstler*innen ihn zutiefst geprägt haben. «Ich hatte für ihre ernste oder ironische, ihre sanfte oder abgründige Sichtweise viel übrig, mit der sie einen dazu brachten, menschlichen Angelegenheiten mit Nachsicht und Verständnis zu begegnen.» Der Angriffskrieg von Russland gegen die Ukraine hat für Igort, der mit einer Ukrainerin verheiratet ist und in dem Land viele Freunde und Verwandte hat, alles verändert: «Heute donnern die Kanonen. Gebäude stürzen ein. Es bleibt kein Raum für Mehrdeutigkeit.» Der Krieg ist am 25. Februar auch in das Leben von Igort und seiner Familie eingebrochen und hat ihm die Lust an der Viel- und Mehrdeutigkeit der russischen Kultur genommen.
Dies bedeutet für Igort zunächst eine klare Parteinahme: Auch wenn er in seinem Comic sowohl politisch fragwürdige Tendenzen innerhalb der ukrainischen Armee als auch die Probleme einfacher russischer Soldaten thematisiert, benennt er den Aggressor und lässt die Opfer sprechen, gibt stets seine Haltung zu erkennen, ohne jede Mehrdeutigkeit. In seiner Ästhetik, der Frage danach, wie und ob das Grauen eines Krieges in Bilder zu fassen sei, lässt Igort jedoch Mehrdeutigkeiten zu, gibt Raum für Interpretationen, unterschiedliche Perspektiven und historische Ursachen des aktuellen Geschehens. Die Erzählungen, die er festhält sind jene, die in den westlichen Medien fehlen; nicht die Analysen der Militärstrategen und Politiker, sondern die Berichte derjenigen, die unmittelbar vom Kriegsgeschehen betroffen sind, interessieren ihn. Igort illustriert die Erfahrungen von Menschen, die Tag für Tag vor Ort dem Schrecken des Krieges ausgeliefert sind. Was sie berichten ist brutal, manchmal kaum zu ertragen, sie sprechen von Folter, Hinrichtungen und anderen Kriegsverbrechen. Ertragen kann man die Berichte einzig durch Igorts behutsamen Umgang mit den dazugehörigen Bildern, die in ihren gedeckten Farben und dunklen Brauntönen eine Ruhe in sich tragen, selbst wenn sie Leid und Tod zeigen. Diese Ästhetik ist Igorts Strategie gegen die Dynamik des Krieges, vor deren Hintergrund sich das vielstimmige Tagebuch einer Invasion entfaltet, das noch lange nachhallt.
Jonas Engelmann

Igort: «Berichte aus der Ukraine (Tagebuch einer Invasion)»
Reprodukt, 168 S.
Softcover, farbig
CHF 36.50 / EUR 26

Doppelter Boden

«Schlussendlich sind die Personen wichtig, nicht der geschichtliche Hintergrund», hat der Niederländer Peter van Dongen seinen an historischen Ereignissen entlang erzählten Comic Rampokan erklärt. «Es war nie meine Absicht, ein Geschichtsbuch zu schreiben.» Und so erzählt der ursprünglich auf zwei Bände angelegte und nun erstmals als kolorierte Gesamtausgabe erschienene Comic eine persönliche Geschichte vor der historischen Folie des Jahres 1946, als sich die Niederlande mit dem Ende ihres ehemaligen Kolonialreiches nicht abfinden wollten und einen mehrere Jahre andauernden Krieg begannen. Im Zweiten Weltkrieg war Indonesien von den Japanern besetzt gewesen, die sich nach ihrer Kapitulation aus dem Land zurückziehen mussten, woraufhin indonesische Nationalist*innen eine unabhängige Republik ausriefen und die Niederlande Truppen in die Kolonie schickten.
Erzählt wird der Comic aus der Perspektive des Söldners Johan Knevel, der sich freiwillig gemeldet hat, um noch einmal in sein Geburtsland zurückzukehren und nach seinem ehemaligen Kindermädchen zu suchen. Dabei geht er mit kolonialer Arroganz und überzeugt von der Rechtschaffenheit seines Einsatzes vor, ist jedoch der einzige Niederländer im Comic, der als eine Identifikationsfigur angelegt ist. Er träumt von seiner Kindheit und projiziert auf diese Erinnerungen das Bild einer friedlichen Koexistenz von Niederländer*in­nen und Indonesier*in­nen. Rampokan liesse sich auch als klassische Abenteuergeschichte vor kolonialem Hintergrund lesen, so taucht sogar eine klischeehafte «schöne Wilde» auf, die dem Protagonisten ins Ohr flüstert: «Zeig du mir, was gut für mich ist.»
Gleichzeitig aber ist es gerade die vordergründig ausgestellte koloniale Ideologie, die Rampokan über diese persönliche Geschichte hinaushebt. Van Dongen, als Sohn eines Niederländers und einer Indonesierin zwischen den beiden Kulturen und mit beiden Erzählungen über die Kolonialzeit aufgewachsen, weist durch seine Ligne-claire-Ästhetik über den Inhalt hinaus. Neben expliziten Bildanspielungen auf den belgischen Kolonialcomic Tim im Kongo findet sich auch die Erzählperspektive Hergés in Rampokan wieder, die Kolonie als weisse Leinwand für die Projektionen der westlichen Kolonisator*innen zu betrachten. Indem van Dongen dieses Vorbild aufruft, erzählt er neben seiner Abenteuergeschichte, in die gleichzeitig zahlreiche Verweise auf indonesische Kultur und Tradition verwebt sind, auch die Geschichte der Verwicklungen des Mediums Comic in das Gelingen des kolonialen Projekts.
Jonas Engelmann

Peter van Dongen: «Rampokan»
avant-verlag, 176 S.
Hardcover, farbig
CHF 54.90 / EUR 39

Die Farben des Alltäglichen

Camille Jourdy hat – zumindest im deutschen Sprachraum – ein Problem: Ihre Graphic Novels wirken zu unaufällig, inhaltlich zu alltäglich und visuell zu unspektakulär, um wirklich wahrgenommen zu werden. Dabei ist Camille Jourdy eine der subtilsten, genausten und letztlich auch schonungslosesten Erzählerinnen ihrer Generation. Rosalie Blum und Juliette sind ebenso tiefenscharfe wie berührende Chroniken des Alltags, der Familie, der Provinz.
Juliette, eine Wahl-Pariserin um die 30, ist zu Besuch in der namenlosen Kleinstadt, aus der sie einst aufgebrochen ist. Sie steckt offensichtlich in einer Krise, doch spricht sie ihre Probleme nicht an, und niemand scheint das zu kümmern – Juliette galt schon immer als hypochondrisches Sensibelchen. Sie bezieht ihr Jugendzimmer im Haus ihres abgelöscht und abwesend wirkenden Vaters. Sie trifft die Familie ihrer molligen und lebenslustigen Schwester Marylou, die sich tagsüber im Gewächshaus mit ihrem Liebhaber vergnügt. Sie trifft sich mit ihrer überspannten Mutter und deren männlichen Begleitern und mit ihrer dementen Grossmutter. Und sie lernt Polux kennen, Stammgast einer Quartierkneipe, verschroben, aber ganz nett. Zusammen retten sie ein Entenküken und taufen es Norbert.
Das sind ein paar Elemente aus Juliette: Gespenster kehren im Frühling zurück. Viel Alltag, Familienchronik, Milieuschilderung, Slice of Life. Camille Jourdys Talent ist es, diese Realität so einzufangen, dass sie sich zwar sehr authentisch anfühlt, aber nie banal wird. Subtil seziert sie die vielen Gefühle, vermeidet aber sogar in der Schilderung des sonntäglichen Mittagmahls der ganzen Sippe jegliches Pathos. Sie ist nahe am, aber nie im Klischee. Sie zeichnet ihre Figuren mit Empathie, aber mit einer Genauigkeit an der Grenze zur Karikatur, ohne diese Grenze zu überschreiten. Jourdys Blick entdeckt im Alltäglichen Farben, Schönheit und Tiefe.
Diese sich kreuzenden und verknäuelnden Beziehungen, Geschichten, Erinnerungen und Missverständnisse setzt Jourdy in kleinformatige, warm kolorierte Bilder um. Die Zeichnungen wirken schlicht, und doch erhält jede Geste, jeder Gesichtsausdruck, jeder Blick seinen Platz, seine Bedeutung; wichtige Szenen werden aufgeschlüsselt in viele Einzelbilder, die eine aufmerksame Lektüre einfordern – zumal Wichtiges auch mal zwischen den Bildern passiert.
Grossartig, da passend, ist auch das offene Ende. Was nimmt Juliette mit, als sie in den Zug nach Paris steigt? Hat sie gelernt, dass alle an ihren Geschichten und Problemen zu tragen haben? Und was ist mit Polux? Wird sie ihn wiedersehen?
Christian Gasser

Camille Jourdy: «Juliette: Gespenster kehren im Frühling zurück»
Aus dem Französischen von Lilian Pithan
Reprodukt, 240 S.
Hardcover, farbig
CHF 42.90 / EUR 29

Bunt, fiebrig, laut und rasant

Hör nur, schöne Márcia hat alles, was es für eine mitreissende Geschichte braucht: den intensiven Konflikt zwischen einer Mutter und einer Tochter, eine Favela in Rio de Janeiro als explosives Setting, atemberaubende Dialoge, dynamische Zeichnungen. Kein Wunder, wurde die Graphic Novel des Brasilianers Marcello Quintanilha in An­goulême 2022 als bester Comic des Jahres ausgezeichnet.
Márcia, die Mutter, und ihre Tochter Jaqueline können schon lange nicht mehr vernünftig miteinander reden; jedes Gespräch endet mit Zank und Zoff. Auf den ersten Blick erstaunen diese Spannungen, denn äusserlich gleichen sich Márcia und Jaqueline: Sie sind beide übergewichtig, beide haben eine kraftvolle körperliche Präsenz; ausserdem sind beide leidenschaftlich, aufbrausend und sehr laut. Und doch sind sie ganz anders: Die Krankenschwester Márcia opfert sich gerne für die anderen auf. Jaqueline hingegen lässt sich treiben und hat eine Affäre mit einem Drogendealer aus der Nachbarschaft.
Als in der Favela ein Bandenkrieg ausbricht, weil korrupte Milizen das Drogengeschäft übernehmen wollen, gerät die leichtsinnige Jaqueline in Schwierigkeiten: Sie lässt sich als Drogenkurierin einspannen, wird verhaftet und landet im Knast. Aus Liebe zu ihrer Tochter mischt sich Márcia in den Bandenkrieg ein und gerät ihrerseits auf den Radar von Polizei und Kriminellen.
Es ist atemberaubend, wie geschickt Marcello Quintanilha das Mutter-Tochter-Drama mit dem Thriller verknüpft und zusätzlich um weitere Nebenfiguren und ­Subplots ergänzt. Und doch bleibt Hör nur, schöne Márcia immer klar, authentisch und glaubwürdig und vermittelt einen packenden Einblick in die Schattenseiten des heutigen Brasilien.
Auch visuell ist Hör nur, schöne Márcia ­ungewöhnlich. Besonders augenfällig ist
die expressive Farbpalette, die Quintanilha ­einsetzt. Sein Rio ist in exzessiv bunte und künstlich anmutende Farben getaucht. Am auffälligsten sind die Figuren, deren Haut in unterschiedlichen Violetttönen glühen.
Was auf den ersten Blick bizarr anmutet, entfaltet eine verblüffende Wirkung: Die unrealistischen Farben verleihen der Geschichte etwas Surreales, Fiebriges. Das wiederum passt zu Quintanilhas Strich, der ebenso lebendig ist wie seine Figuren und Dialoge. Seine Zeichnungen sind immer in Bewegung, sie wirken schnell hingeworfen, sind aber ungemein präzise.
Die Bildsprache intensiviert noch den Sog dieser Geschichte bis zu einem Ende, das – nach zahlreichen Brüchen, Wendungen und Überraschungen – ebenso rau wie versöhnlich ist. Christian Gasser

Marcello Quintanilha: «Höre nur, schöne Márcia»
Aus dem brasilianischen Portugiesisch von Lea Hübner
Reprodukt, 128 S.
Hardcover, farbig
CHF 35.90 / EUR 24

Der Bodensatz Hollywoods

14 Jahre lang hat Sammy Harkham an seinem grossen Wurf gearbeitet. Am Ende ist seine Erzählung „Blood of the Virgin“ über einen jungen Filmenthusiasten Anfang der 1970er-Jahre in L.A. gut 300 Seiten stark geworden. Als Kind irakischer Juden über Australien in die USA emigriert, versucht der 27-jährige Protagonist Seymour sein Glück in der Filmbranche Hollywoods. Er lebt aber nicht jenen schillernden und glänzenden Traum, den die Meisten mit dem Schriftzug in den Hollywood Hills verbinden. Seymour arbeitet für die schmutzige Variante der B-Movies. Hier werden Filme schnell runtergekurbelt, um Geld zu verdienen, nicht um künstlerisch wertvolle Filme oder Blockbusters für ein grosses Publikum zu landen. Inhaltlich zielen die Produktionen auf die niederen Instinkte des Publikums: Sex & Crime, gerne auch Horror mit Werwölfen oder – gerade der Renner: Biker-Filme mit einem Hippie-Touch.
Seymour kann den B-Movies durchaus etwas abgewinnen. Er arbeitet am Set als Produktionsassistent für den windigen Produzenten Val und hat sich damit arrangiert, dass seine Kunst nur bedingt gefragt ist, aber eigentlich schreibt er Drehbücher und träumt davon, selber Regie zu führen. Als Val dann doch eines seiner Drehbücher kauft, erhofft er sich direkt auch den ersehnten Job als Regisseur. Den bekommt aber der zwei Jahre jüngere Oswald. Von nun an muss er hilflos mitansehen, wie sein Drehbuch zu- und hingerichtet wird. Bis Oswald ausfällt und er doch noch eine Chance erhält, auf dem Regiestuhl platz zu nehmen. Aber die Regiearbeit ist gar nicht so einfach, zumal sich der junge Vater auch noch mit familiären Problemen herumschlagen muss.
Natürlich hat Sammy Harkham nicht kontinuierlich während der gesamten 14 Jahre an dem Projekt gearbeitet. Einige Kapitel wurden zwischendurch auch schon in seinem Comic-Magazin „Crickets“ veröffentlicht, das er neben der renommierten Anthologie „Kramers Ergot“, in der er in den letzten 20 Jahren das Who’s who der internationalen Comic-Szene publiziert hat, herausgibt. Und so ist der Kern der Geschichte zwar stilistisch kohärent in schnellen Schwarzweiss-Zeichnungen erzählt, es gibt aber auch erzähle­rische Einschübe, die sowohl inhaltlich als auch stilistisch neue Räume erschliessen
und den Kontext erweitern. Dass sich Harkham für die detailreiche Beschreibung der Figuren, der Orte und des Zeitgeistes sehr viel Zeit nimmt, unterscheidet seinen Comic sehr von den Filmen, die er thematisiert. Als Leser*in taucht man tief ein in die Hinterhöfe Hollywoods mit all seinen zwielichtigen Gestalten.
Christian Meyer-Proepstl

Sammy Harkham: «Blood of the Virgin»
Reprodukt, 296 S.
Hardcover, farbig und s/w
CHF 39.90 / EUR 29,99

Grosse Leere und totale Präsenz

Das Debütalbum von Léa Murawiec ist ein hochintensiver und die Sinne überwältigender grafischer Roman. Die französische Autorin wartet mit einem kreativ überschäumenden Einfallsreichtum auf und packt ihre Leser*innen von der ersten bis zur letzten Seite mit rasanten Bildfolgen, kühnen Schnitten und halsbrecherischen Perspektiven. Wer in die Lektüre einsteigt, wird unweigerlich von einem wahnwitzigen Lesefluss mitgerissen und auf eine berauschende Achterbahnfahrt durch atemberaubende Häuserschluchten, irre Schauplätze und verstörende Dialoge entführt. In seiner Wirkung löst Die grosse Leere ein vergleichbar ungewohntes Leseerlebnis aus, wie seinerzeit die allerersten Mangas, die um 1990 herum die europäischen Märkte erfassten.
Wer vergessen geht, ist gleichsam tot. Das ist der Gedanke, von dem aus Murawiec eine Geschichte entfaltet, die sich wie eine Reflexion auf die Logik sozialer Medien liest. An mich wird gedacht, also bin ich, und werde ich «gelikt», bin ich noch mehr. Das ist die Devise von Manel Naher, der Protagonistin in Die grosse Leere. Nur wer berühmt sei, könne ein normales Leben führen, erklärt sie ihrem überrumpelten Freund. Dabei scheint es, als habe sie keine Wahl, sondern folge einem Zwang. Die hektische Welt der Manel Naher funktioniert wie virtuelle soziale Netzwerke. Sie ist den Gesetzen der Aufmerksamkeit unterworfen. Selbst Gewalt ist in dieser Welt ein probates Mittel, um Aufmerksamkeit zu erlangen. Berühmtwerden ist eine Überlebensstrategie.
Wer jemand sein will, muss Präsenz markieren und maximale Aufmerksamkeit erzielen. Präsenz lässt sich in dieser massenmedial geprägten Welt nach Punkten bewerten. Viele Punkte erlangt, wer ein grosses Netzwerk hat und dieses pflegt. Ausserhalb der Netzwerke ist die gefürchtete grosse Leere, die nichts anderes ist als die freie Natur.
Als Manel Naher endlich realisiert, wie allein sie trotz aller Vernetzung ist, und dass sie ihre Freunde und Verwandten längst verloren hat, wagt sie den Ausbruch in die grosse Leere. Letztlich zielt Léa Murawiec auf die Frage, ob es sich wirklich lohnt, sein Leben ganz darauf auszurichten, den eigenen Namen medial zu verewigen, wenn dabei der Kontakt zu den echten Menschen zerbricht.
Florian Meyer

Léa Murawiec: «Die grosse Leere»
Aus dem Französischen von Christoph Schuler.
Edition Moderne, 208 S.
Hardcover, farbig
CHF 39.- / EUR 34.-

Tod in Südfrankreich

So unvermittelt hat noch kaum ein Comic angefangen: Drei liebreizende Seiten zum Einstieg, dann ein Paukenschlag. Was wie eine nette Urlaubsgeschichte beginnt, wandelt sich aus heiterem Himmel zu einem vertieften Nachdenken über den Tod und Verlust eines geliebten Menschen und darüber, wie die hinterbliebene Person mit ihrer Trauer zurechtkommt und in ihr Leben zurückfindet. Damit befassen sich Lewis Trondheim (Szenario) und Hubert Chevillard (Zeichnungen) in ihrer Graphic Novel Ich bleibe.
Die Leidtragende ist Fabienne, deren Partner Roland bei einem tragischen Unfall im Ferienziel in Südfrankreich umkommt. Anstatt den Urlaub abzubrechen und sich um die ganzen Formalitäten zu kümmern, die bei einem Todesfall anstehen, geht Fabienne ihren eigenen Weg. Sie nimmt das Notizbuch, in dem Roland für jeden Tag das Ferienprogramm notierte, und zieht es Schritt für Schritt allein durch. Sie meidet den Kontakt zu Rolands Bruder und geht auch nicht zur Beerdigung. Am Ende hat sie ihre Trauer verarbeitet und fährt befreit nach Hause.
Besonders behutsam an Ich bleibe ist die Erzählweise. Trondheim und Chevillard wälzen keine inneren Monologe und verzichten auf überschwängliche emotionelle Darstellungen. Stattdessen wahren sie respektvoll die Distanz. Fabiennes Schmerz erschliesst sich aus ihren Gesten, wenn sie etwa nachts zusammengezogen im Bett liegt und nicht einschläft. Als sie zuletzt ins Meer eintaucht, deutet ihr Lächeln an, dass sie sich von der ersten Bestürzung gelöst hat.
So konsequent wie ungewöhnlich Fabiennes Weg auch ist, beim Lesen löst er unwillkürlich eine Reaktion aus: Wie handelte ich in dieser Situation? Ich bleibe gibt eine deutliche Antwort: Mein Leben endet nicht, wenn mein Partner, meine Partnerin stirbt. Ich muss mich zwar neu einrichten, aber ich bin noch da! Dabei trägt Fabiennes Verhalten sowohl Züge eines jugendlichen Aufbegehrens gegen gesellschaftliche Konventionen als auch jenes anarchistischen Schalks, der für Trondheim seit seinem frühesten Lapinot-Album typisch ist (Lapinot et les Carottes de Patagonie, 1992 bei L’Association). Streckenweise wirkt Ich bleibe allerdings wie Eskapismus. Schliesslich kann sich im Todesfall niemand so einfach wie in diesem Album seinen Pflichten entziehen. Und doch ist es just dieser Kontrapunkt zur gelebten Wirklichkeit, zusammen mit der sorgsamen Schilderung, die Ich bleibe im Endeffekt lesenswert macht und einen zum Nachdenken über den eigenen Umgang mit Sterben und Tod anregt.
Florian Meyer

Lewis Trondheim, Hubert Chevillard: «Ich bleibe»
Avant Verlag, 128 S.
Hardcover, farbig
CHF 35.90 / EUR 24

Das Leben, das Universum und Jordan Crane

Ich gebe zu, dass ich Jordan Crane vor fast zwei Jahrzehnten völlig aus den Augen verloren hatte. Er war 1996 auf der legendä­ren SPX (Small Press Expo) in die amerikanische Independent-Comic-Szene gestürmt, ein Enfant terrible, das Exemplare seiner im Selbstverlag erschienenen Anthologie Non verhökerte, die zweifellos zu den schönsten «Kunst-Comics» gehörte, die die Anwesenden je gesehen hatten. (Ein paar Jahre später bestand die fünfte und letzte Ausgabe von Non aus drei einzelnen Büchern, die in einer wunderschönen, aufwändig bedruckten Faltschachtel verpackt waren, in der jedes Buch sein eigenes Plätzchen hatte. Die Verpackung würde sich auch im MoMA Design Shop gut machen.)
Später nahm ich an, dass Crane sich wie viele andere unabhängige Cartoonist*in­nen seiner Generation dem Kinderbuch, der Illustration, dem Grafikdesign oder dem ­Unterrichten zugewandt – oder aber die Branche ganz verlassen hätte. Comics sind schliesslich eine schwierige Geliebte. Doch dann widmete Smoke Signal, eine brillante Boulevard-Comic-Anthologie, die regelmässig vom Desert Island Comic Shop in Brooklyn herausgegeben wird, letztes Jahr ihre 37. Ausgabe voll und ganz Crane und seinen magischen Illustrationen in extrem satten Farben, die fast durch das dicke Zeitungspapier zu sickern scheinen. Normalerweise gebe ich meine Smoke-Signal-Ausgaben an meine College-Bibliothek weiter, aber diese behielt ich, um sie mir immer wieder anzuschauen, weil mir klar wurde, dass Crane einer der talentiertesten Koloristen (in der Terminologie der Kunsttheorie) sein muss, der jemals Comics gemacht hat. 
Glücklicherweise führte mich diese Ausgabe von Smoke Signal zu Cranes neuester Graphic Novel Keeping Two, einem Buch, das schwer zu besprechen ist, ohne zu viel zu verraten. Oberflächlich betrachtet, ist es ein Einblick in das ganz gewöhnliche Leben von Connie und Will, einem normalen jungen Paar, das reist, liest, trinkt, träumt, streitet und daran denkt, eine Familie zu gründen. Doch hinter dieser Geschichte verbergen sich andere Geschichten und mögliche Geschichten, Ereignisse, die nie stattgefunden haben bzw. abgewendet wurden – gewissermassen wie alternative Realitäten, die aus Fiktionen (einem Roman, den Connie und Will lesen), Telefongesprächen, vergangenen Erfahrungen, Träumen, zufälligen Gesprächen und quälenden Ängsten zusammengesetzt sind. Keeping Two ist ein Buch, das einfach scheint, aber sorgfältig gelesen werden muss. Mit einem Ende, das mich an eine Zeile aus Yann Martels Life of Pi erinnerte: «Es ist eine Geschichte, die dich an Gott glauben lässt.» (Oder, wenn man nicht an Gott glaubt, einem zumindest dazu bringt, intensiv darüber nachzudenken.)
Die Zeichnungen in Keeping Two sind ein grossartiges Beispiel dafür, wie eine ernste Geschichte in einem leichten und beinahe karikaturistischen Stil erzählt werden kann (wie es z. B. Dupuy-Berberian, Doucet oder Spiegelman tun). Jede*r wird die fünfseitige Sequenz, in der eine Figur das Geschirr spült, mindestens zweimal lesen, und die letzten paar Dutzend Seiten des Buches sind schlicht eine visuelle Symphonie. Und auch hier zeigt sich erneut Cranes Können als Kolorist. Fantagraphics wird dem Designer Crane gerecht, das Buch ist wunderschön produziert, aussen ein mattfarbiges Hardcover mit abgerundeten Ecken, innen schweres Papier.
Während ich diese Rezension schrieb, erfuhr ich, dass in Keeping Two 20 Jahre Arbeit stecken. Ob das Buch Cranes Opus Magnum ist, bleibt abzuwarten, aber Keeping Two ist ein emotional starkes und virtuoses Comic-Meisterwerk. 
Mark Nevins

Jordan Crane: «Zwei bleiben»
aus dem Englischen von Conny Lösch
Suhrkamp 2022, 320 S.
Hardcover, farbig
CHF 36.90 / 26 Euro

Auf Englisch: Jordan Crane «Keeping Two»
Fantagraphics, 2022

Die menschliche Zielscheibe

Gute Autor*innen zeichnen sich dadurch aus, mit einer noch so uninteressanten Nebenfigur eine packende Geschichte erzählen zu können. Ein solcher Autor ist Tom King. Mag sein, dass er – laut gewissen Fans – Batman ruiniert hat, aber der ehemalige CIA-Mitarbeiter hat in den letzten Jahren sowohl für DC als auch Marvel erfolgreiche Bücher mit Randfiguren wie Adam Strange, Mister Miracle oder The Vision veröffentlicht.
Eine weitere solche Figur ist Human Target («die menschliche Zielscheibe»). Sie erschien erstmals 1953 auf den Seiten von Detective Comics, auferstand in den 1970ern und 2000ern, blieb aber meistens im Hintergrund. Der Privatermittler und Bodyguard Christopher Chance stellt sich gegen Bezahlung als Zielschreibe für Attentate zur Verfügung. In der aktuellen Geschichte wird Chance vergiftet, als er sich für Supermans Erzfeind Lex Luthor in die Schusslinie begibt. Zwölf Tage bleiben ihm zu leben, die der hartgesottene Detektiv damit verbringt, seinen letzten Fall zu lösen. Offenbar sind die Täter*innen Mitglieder der berühmten Su­per­­held*innengruppe Justice League und Chance knöpft sich in jedem der zwölf Kapitel eine oder einen davon vor. Nebst viel Alkohol und Faustkämpfen hat es auch Platz für eine Liebesromanze, und Greg Smallwoods sehr ansehnlicher und kontrastreicher Retro-Stil macht aus Human Target einen frühen James Bond und erinnert an die illustrierten Groschenromane der 1950er.
Human Target ist bei DC unter dem Black Label erschienen, wo düsterere Geschichten für ein erwachseneres Publikum publiziert werden. Der Comic ist auch für Neueinsteiger*in­nen interessant, oder für solche, die nicht viel mit Superheld*innen am Hut haben.
Giovanni Peduto

Tom King, Greg Smallwood: «Human Target», Band 1 (Teil 1-6)
Panini Comics, Hamburg 2022, 196 S.
Softcover, farbig
CHF 36.90 / EUR 24

Göttliche Seifenoper

Friedrich Nietzsche konstatierte mit dem Satz «Gott ist tot» eine Krise in der wertentleerten Gesellschaft seiner Zeit, in der Gott nicht mehr oberster Garant für Werte war. Griechische Götter und Göttinnen waren bestimmt auch zu ihrer Zeit keine Werteträger, vor allem in Rachel Smythes Lore Olympus. Da verhalten sie sich wie schnöde Neureiche und verbringen ihre Tage mit Parties, Shopping, Chatten und natürlich intrigieren. Die Webcomic-Serie der neuseeländischen Autorin Rachel Smythe läuft seit 2018 auf der südkoreanischen Plattform Webtoon. Webtoons bezeichnen in Südkorea Comics, die für die Lektüre auf dem Handy gedacht sind. Lore Olympus ist mit über sechs Millionen Abon­nent*innen und über einer Milliarde Views sehr erfolgreich und hat unter anderem einen Eisner und einen Harvey Award gewonnen. Smythe hat für Lore Olympus die Geschichte über den Raub der Persephone für die heutige Zeit adaptiert. Die Fruchtbarkeitsgöttin Persephone ist ein junges Mädchen, das im Olymp ein Uni-Studium beginnt. Auf einer Party von Zeus zieht sie die Aufmerksamkeit von Hades, Herrscher der Unterwelt, auf sich, der ihre Schönheit mit jener der Aphrodite vergleicht. Die Göttin der Liebe lässt sich die Bemerkung nicht gefallen und beauftragt ihren Sohn Eros, Persephone abzufüllen, damit das Mädchen sich vor Hades blamiere. Doch daraus wird nichts. Hades’ Wertschätzung für die junge Göttin wächst dank der Intrige nur noch mehr und es entsteht eine komplizierte Beziehungsgeschichte. Klingt alles nach Seifenoper, und ist es auch. Webtoon ist unter anderem auf romantische Comics für junge Erwachsene spezialisiert. Das Genre scheint beim jungen Publikum äusserst beliebt zu sein. Lore Olympus liest sich sehr süffig, die zahlreichen mit Situationskomik und Jugendsprache gespickten Dialoge, können mit der Zeit (vielleicht nur die erwachsenen Leser*innen) nerven. Doch Smythes Epos ist nicht nur eine seichte Beziehungsgeschichte wie die romantischen Comics von Marvel der 1960er-Jahre. Wie in der griechischen Vorlage geht es in der modernen Umsetzung um toxische Beziehungen und sexualisierte Gewalt. Smythe verharmlost diese Themen jedoch nicht, wie man vielleicht wegen ihres attraktiven Zeichnungsstils und ihrer sexualisierten weiblichen Pin-Up-Figuren meinen könnte. Die Protagonist*in­nen setzen sich mit diesen Themen auseinander, die weiblichen Figuren emanzipieren sich im Verlauf der bereits über 200 Episoden. Zudem bietet die Plattform den Leser*innen die Möglichkeit, sich aktiv einzubringen und sich darüber auszutauschen. Rachel Smythes Webcomic fördert durchaus die Diskussion über heikle Themen.
Giovanni Peduto

Rachel Smythe: «Lore Olympus»
Auf Englisch kostenlos auf www.webtoon.com und der Webtoon-App.
Die ersten 75 Episoden wurden von Hannah Brosch ins Deutsche übersetzt und erschienen in drei Bänden bei Lyx.
Je CHF 36.90 / EUR 24

Katzenjammer Blues

1897 erschufen Rudolph und Gus Dirks den Comic-Strip The Katzenjammer Kids, in Anlehnung an Wilhelm Buschs Max und Moritz. Frisch in die USA eingewandert, hatten die knapp 20jährigen Brüder aus Deutschland im florierenden Zeitungsgeschäft einen durschlagenden Erfolg mit ihren Figuren, die ein deutsch-englisches Kauderwelsch sprachen und in ihrem Umfeld für Chaos und Anarchie sorgten. Derweil sich die Comic-Forschung bisher mit den Katzenjammer Kids und ihren Schöpfern kaum befasst hatte, erhalten sie mit dem nun vorliegenden Katalog eine längst überfällige Würdigung. Mit drei Kilo Gewicht und knapp 500 Seiten eignet sich der Katalog nicht unbedingt als Bettlektüre, lädt aber als Coffee-Table-Buch zum kurzweiligen Betrachten der zahlreichen Fotos und Comicseiten ein, wie auch zum Lesen der Texte. Zusammengestellt und -getragen haben die Materialien Alexander Braun und Tim Eckhorst, die, wie es scheint, den Dirks-Brüdern ein Monument in der Comic-Geschichte errichten wollen. Genauso gewichtig lautet auch der Untertitel des Katalogs über die Katzenjammer Kids, «Der älteste Comic der Welt», und die Autoren versichern eingangs im Text, dass die Dirks-Forschung mit diesem Buch «fast schon einen Abschluss (findet), weil bedeutende neue Erkenntnisse kaum zu erwarten sind.» Zwei steile Thesen. Denn die Diskussion um den «ältesten Comic» ist ermüdend, da ein jedes Land einen nationalen Favoriten hat, von Höhlenmalereien bis zu Yellow Kid. Warum nun Katzenjammer Kids der älteste Comic der Welt sein sollte, wird im Katalog nicht beantwortet, stattdessen beschränkt man sich auf Hinweise darauf, zu welcher Zeit Comic-Kriterien – wie z.B. Sprechblasen – in den Strips auftauchten. Interessanter wäre gewesen, die bestehenden Ur-Comic-Thesen einander gegenüberzustellen und dann zu ergründen, wodurch sich die Katzenjammer Kids davon abheben. Stattdessen verlieren sich die Autoren auf den ersten 100 Seiten in allzu bildhaften Formulierungen der Auswandererschicksale, wie z.B.: «Ein scharfer Wind rötete Johannes Dirks‘ Wangen, als er an diesem Morgen mit seiner Frau und einem seiner Söhne am Gleis des Bahnhofs von Heide stand.» Sicherlich haben Braun und Eckhorst mit dieser Publikation ein Standardwerk über die Katzenjammer Kids geschaffen. Doch die eigentliche Forschung könnte aufgrund dieses umfangreichen Quellenmaterials erst richtig in Fahrt kommen, weswegen man nicht von einem Abschluss, sondern von einem Beginn sprechen sollte. 
Matthias Schneider

Alexander Braun, Tim Eckhorst: «Katzenjammer. The Katzenjammer Kids. Der älteste Comic der Welt»
Avant-Verlag, 472 S.
Hardcover, farbig
CHF 74.90 / EUR 59

Walter Trier und die Nazis

Seine Bilder sind allgemein bekannt, sein Name weniger, sein Gesamtwerk fast gar nicht. Seine Buchumschläge kann man als Ikonen der Kinderbuchillustration bezeichnen, insbesondere seine Arbeiten für die Werke Erich Kästners. Bücher wie Emil und die Detektive und Pünktchen und Anton haben sich nicht zuletzt aufgrund der Zeichnungen und der bildstarken und zugleich minimalistischen Umschlagszeichnungen bei den Le­ser*innen eingeprägt. Die Rede ist von Walter Trier, dessen Leben und Werk die Berliner Favoritenpresse in drei bemerkenswerten und längst überfälligen Publikationen und einem bewegenden Nachdruck würdigt. 1890 in Prag geboren, studierte Trier in jungen Jahren in München an der Kunstakademie und ging 1910 nach Berlin, um als Illustrator zu arbeiten. Trier veröffentlichte im Simplicissimus, gestaltete erste Buchcovers und Reklamebilder und wurde Teil der Berliner Kunst- und Kulturszene um Kurt Tucholsky, George Grosz und Erich Kästner. Er war Mitglied der Berliner Secession und zur Eröffnung des Kabaretts Schall und Rauch wurde sein Karikaturenfilm Ein Tag des Reichspräsidenten gezeigt. Denn Trier war auch politisch aktiv und Pinsel und Feder wurden seine Waffe gegen den Nationalsozialismus. Aufgrund seiner jüdischen Abstammung musste Trier 1936 fliehen; in London fasste er schnell Fuss, die Engländer*innen liebten seinen Zeichenstil und seinen Humor. Berühmt wurde Triers Arbeit für das englische Magazin Lilliput, für das er über 12 Jahre lang die Cover zeichnete, immer mit derselben Figurenkonstellation, einem Mann, einer Frau und ihrem Hund, in den unterschiedlichsten Situationen. 1942 gestaltete er im Auftrag des britischen Informationsministeriums eine satirische Flugschrift mit dem Titel Nazi-German in 22 Lessons, die nun erstmals wiederveröffentlicht vorliegt. Das Flugblatt wurde über dem besetzten Europa abgeworfen, und in den satirischen Zeichnungen und Texten über Hitler und seine Gefolgsleute sahen die Nazis eine solche Gefahr, dass sie den Besitz dieser Schriften mit dem Tode bestraften, denn die Flugschrift bot jenen, die in im gleichgeschalteten Deutschland lebten, eine andere Lesart von Nazi-Begriffen und -Propaganda. Gerade im Zeitalter von Fake-News und Kriegspropaganda erhält diese Wiederveröffentlichung einen extrem aktuellen Bezug. Politische Karikatur, Malerei, Werbegrafik, Bühnenbildgestaltung, Kinderbuchillustration und Zeichentrick, kaum ein anderer Illustrator war derart vielfältig tätig und zog gleichzeitig aus all diesen Tätigkeiten seine Inspirationen. Trier war ein begnadeter Zeichner, was man allein an seiner Linienführung erkennen kann. Vergleicht man ihn mit dem Zeichner, der den Begriff Ligne claire geprägt hat, fällt ein krasser Unterschied auf. Während Hergé am Ende aus unzähligen Skizzenlinien seine finalen Zeichnungen generierte, zeichnete Trier frei Hand in einem Fluss. Hergés Tim und Struppi wirken in ihren Bewegungen wie eingefroren, während Triers Figuren noch mitten in der Bewegung sind. Es lohnt sich in Triers Bilderwelt einzutauchen und sie in all ihrer Vielfalt und Lebendigkeit zu entdecken.
Matthias Schneider

Walter Trier: «Nazi-Deutsch in 22 Lektionen. Nazi-German in 22 Lessons»
Favoritenpresse, 80 S.
Hardcover, farbig
CHF 19.90 / EUR 14

Antje M. Warthorst: «Die Bilderwelt des Walter Trier»
Favoritenpresse, 224 S.
Hardcover, farbig
CHF 53.90 / EUR 38

Antje M. Warthorst: «Walter Trier. Die Biografie. Eine Bilderbuch-Karriere»
Favoritenpresse, 354 S.
Hardcover, farbig
CHF 37.90 / EUR 25