Garen im Geysir

Die Technik des Kochens war offensichtlich ein Gamechanger in der Entwicklung des Menschen. «Die aktuelle Forschung besagt, dass die Menschen erst zu Menschen wurden, als sie anfingen, ihre Nahrung zu manipulieren.» So schreibt Tine Steen in ihrem Sachcomic Die kochenden Affen. Die bildende Künstlerin, die vor einigen Jahren zum Comic fand, geht der Frage nach, wie Menschen zum Kochen kamen und wie die Entwicklung der Nahrungsaufnahme mit der Evolution des (ur-)menschlichen Körpers, mit Geschlechterrollen und sozialen Strukturen zusammenhängt beziehungs­weise diese geformt hat. Steens Comic bietet jede Menge überraschende Entdeckungen aus dem Bereich der Ernährungsgeschichte. Das reicht von der Betrachtung des Kochens als eine Art teilweise ausgelagerter Verdauung über das Phänomen steinzeitlicher Muschelparties und die Effizienz des Jagens im Verhältnis zum Sammeln von Nahrung bis zu «den besten Rezepten der letzten 3 Millionen Jahre» – wie etwa Garen im Geysir, Mongolische Murmeltiere, Geröstete Grashüpfer oder Raupenpulver.
Der grafische Stil erinnert stellenweise an eine coole Kreuzung aus den feministischen Sachcomics von Liv Strömquist und den verrückten Bilderbuchillustrationen von Nadia Budde: einerseits das für Strömquist typische, auch mal Seiten füllende Lettering in blockiger Schrift, andererseits die etwas groben, lustvoll karikierenden Zeichnungen von Affen, Steinzeitmenschen oder Leuten von heute. Dieses Artwork bringt die Komik sehr gut zur Geltung, die den Comic in zeichnerischen Details und Dialogen durchziehen. Die Kolorierung wechselt dabei zwischen Passagen in lichten und leuchtenden Farben und in schwarzweiss-grau gehaltenen Seiten.
Tine Steen erklärt und verhandelt in den einzelnen Kapiteln ihres so informativen wie vergnüglichen Comics verschiedene anthropologische Hypothesen, immer in enger Verschränkung von Bild und Text – und ohne Textwüsten. Sie schöpft aus den Möglichkeiten, die das Medium Comic bietet, etwa, um Entwicklungen und Forschungsergebnisse zu visualisieren und in Form nachempfundener Dialoge und Szenen unterhaltsam aufzubereiten. Eine Comic-Zeichnerin kann eben auch einfach mal empörte Schimpansen bei der vergeblichen Suche nach jungen Trieben oder entspannte Bonobos in geselliger Runde belauschen oder die affenähnliche menschliche Urahnin Lucy vors Mikro bitten und zu den Lebensbedingungen in der Savanne befragen.

– Barbara Buchholz

Tine Steen – Die kochenden Affen
Avant-Verlag, 296 S.,
Softcover, farbig, CHF 38.— / EUR 29

Alte Bindungen

«Was macht die Revolution?» fragt Dietz sein Gegenüber, das er aber nur als Mailbox-Ansage erreicht. Dietz, 48, Ingenieur und in seiner Freizeit auch Judolehrer, ist voller Tatendrang: Am Wochenende geht es gemeinsam mit Volker zu Acki nach Leipzig. Die drei sind alte Schulfreunde und haben sich länger nicht gesehen. Auch wenn Acki seine Mailboxnachrichten nicht beantwortet und Volker, ein kaum erfolgreicher Musiker und Kleptomane, etwas kränklich ist – Dietz und seine überschäumende Vorfreude kann nichts und niemand bremsen. Doch, in Leipzig angekommen, ist Acki immer noch unauffindbar. Dessen alternativer Lebensstil hat in ein besetztes Haus geführt, da ist er aber nicht mehr. Besonders gut auf ihn zu sprechen scheint hier auch niemand zu sein. Dietz sucht notorisch optimistisch weiter, während der wortkarge Volker Dinge einsteckt oder auch einfach nur vom Hocker fällt.
Max Baitinger nimmt sich für sein sechstes Buch wieder einmal des Themas Freundschaft an. Schon in seinem Meisterwerk Röhner ging es darum, wie man mit dem Gegenüber auskommt. Hier stellt das Szenario ähnliche Fragen auf einer Freundschaftsebene, wobei die eher behauptet wird, als gelebt. Man kennt das: Schulfreundschaften, die sich auseinandergelebt haben. Man weiss, dass da nicht mehr viel ist, was einen verbindet, die Nostalgie – oder was auch immer – lässt einen aber daran festhalten. Von aussen betrachtet könnten die drei Männer (eigentlich sind es ja nur zwei, vom dritten gibt es nur noch Spuren) kaum unterschiedlicher sein, aber Dietz will das nicht sehen, und so vollzieht sich ein Abenteuer aus Miss- und Unverständnis, das Baitinger in seinem einzigartigen experimentellen und mitunter fast in die Abstraktion gleitenden Stil mit lakonischem Humor einfängt.

– Christian Meyer-Pröpstl

Max Baitinger – Hallimasch
Reprodukt, 200 S., Softcover, s/w,
CHF 36.— / EUR 24

Demokratie als Fluch?

Der Journalist Joe Sacco ist bereits an vielen Orten auf der Welt gewesen, um dort von Konflikten zu erzählen. In Palästina beziehungsweise Gaza, in Bosnien und Sarajevo, im Kaukasus und dem Irak, auch bei Indigenen in Kanada war er, um über deren Situation in einer Comic-Reportage zu berichten. Über Indien hat er bereits in einer Kurzgeschichte in dem Sammelband Reportagen geschrieben. In seinem neuen Comic hat er sich nun intensiv mit dem Konflikt zwischen Hindus und Moslems in Indien auseinandergesetzt. Im Bezirk Uttar Pradesh geht er einem Vorfall nach, der Massenproteste, Ausschreitungen und viele Tote und Verletzte zur Folge hatte. Sacco befragt im Wechsel Beteiligte und Beobachter beider Religionen, erforscht den Zeitstrahl des Konflikts, der wie so oft auf die Kolonialzeit beziehungsweise den Moment, in dem die Kolonialstaaten ein Land verlassen, zurückreicht. Die Fülle an Parteien, Protagonisten und Ereignissen macht es nicht leicht, alle Details des Konflikts zu verstehen. Diese Verständnis-Probleme hängen aber auch mit den widersprüchlichen Entwicklungen zwischen Armut und Reichtum, Macht und Ohnmacht, Freundschaft und Feindschaft zusammen, die oft nicht einmal die Beteiligten rückverfolgen können. So erscheint der gesamte Konflikt mitunter absurd und vermeidbar, und doch steht man daneben, wie wenn man einen Autounfall in Zeitlupe beobachtet.
Das Ende ist so tragisch wie fatalistisch: «Die Demokratie wird sich für unser Land als Fluch herausstellen», sagt einer von Saccos Protagonisten. Und über die beteiligten Menschen in dieser Demokratie: «Wir reden nicht von Maschinen, die man kontrollieren kann. Niemand weiss, was passieren wird». Das Säbelrasseln zwischen Indien und Pakistan im Frühling und die Unruhen im Nordosten im Herbst 2025 lassen wenig Raum für Hoffnung.

— Christian Meyer-Pröpstl

Joe Sacco: «Indien – Öl ins Feuer»,
Reprodukt, 144 S., Hardcover, s/w,
CHF 42.— / EUR 29

Tod und Trost

Als ein guter Freund von Einstein starb, soll dieser zur Witwe gesagt haben: «Tröste Dich! Er wird immer gewesen sein.» Was mit dem Zitat ausgedrückt wird, entspricht so überhaupt nicht unserer Kultur, in der der Tod für die Auslöschung des Lebens eines Menschen steht. Denn es gilt, das Leben geht
weiter, nur nicht mit den Toten. Doch was ist mit den Hinterbliebenen und all ihren Erinnerungen, ihren Gefühlen, von Schmerz bis Wut, und natürlich ihrer Trauer? Bert Hellinger, der Erfinder der Familienaufstellung, hat als Erster in der Therapie die Rolle der Toten thematisiert, da die Erinnerung an sie weiterhin für wichtige Dynamiken bei den Hinterbliebenen sorgt. Nach dem Tod seiner Frau hat sich Erich Aichinger mit der Widersprüchlichkeit des Trauerprozesses beschäftigt, woraus sein Buch Bin ich untröstlich? ent­standen ist. In 50 Fragen benennt Aichinger ungewöhnliche Facetten der Trauer, die ihn überraschenderweise zu der Erkenntnis gebracht haben, Trauer sei sowohl gestaltbar als auch veränderlich. Seine Fragen zeigen dabei eine Entwicklung auf, vom emotionalen Durcheinander über Suchen, Finden, Verlieren hin zu einem allmählich klarer werdenden neuen Selbst- und Weltbezug. Trauernde müssen nicht unweigerlich in ein Loch fallen, wie es das Cover des Bandes ziert, sie können auch wieder in die sogenannte Selbstwirksamkeit kommen und damit Zuversicht erlangen. Steph von Reiswitz hat mit ihren Illustrationen Aichingers Gedanken in eindringliche grafische Miniaturen verwandelt, die die Leser*innen sowohl zum Mitfühlen, Nachdenken als auch Lachen bringen. Aufgrund ihrer Erfahrungen der Trauer war auch für sie das Buch ein Herzensprojekt, was man an der liebevollen Gestaltung sehen kann. Neben Prägedruck und Klappenbroschur zeichnet die Publikation eine fein aufeinander abgestimmte Auswahl der Farben und des Papiers aus, was es zu einem besonderen Kleinod macht. Ein Kleinod, das Aichinger denen gewidmet hat, «ohne die alles nichts gewesen sein wird.»

— Matthias Schneider

Erich Aichinger, Steph von Reiswitz
(Illustrationen): «Bin ich untröstlich?».
Favoriten Presse, 112 S.,
Softcover, farbig,
CHF 27.90 / EUR 18

Die Kraft kleiner Gesten

Jean-Christophe Deveney und Tommy Redolfi entwerfen in Les Météores:
Histoires de ceux qui ne font que passer eine stille Apokalypse. Kein Aufstand, sondern ein Riss im Alltag. Kein Barrikadenkampf, sondern ein kosmischer Countdown. Ein Asteroid rast auf die Erde zu, während das Leben in einer verschneiten US-Kleinstadt scheinbar unverändert weiterläuft. Die Autoren verweigern den Katastrophen-Pathos und inszenieren stattdessen eine leise, intime, fast unsichtbare Revolution.
Die Protagonist*innen – Floyd, der sanfte Riese mit Gedächtnislücken, Hollie, die erschöpfte Pflegekraft, Casey, die einsame Nomadin – sind Körper in Bewegung, deren Bahnen sich zufällig kreuzen. Der drohende Einschlag wirkt wie ein Störsignal im Alltagsrauschen. Sie sind in ihrer Routine gefangen, bis die drohende Katastrophe einen inneren Aufstand auslöst. Die Umwälzung ist in diesem Fall existenziell. Ein Bruch mit der Monotonie, ein Aufbegehren gegen das eigene Schweigen. Elijah und Leblond, zwei Jugendliche auf einer Brücke, träumen von einem Unfall. Nicht aus Grausamkeit, sondern aus Sehnsucht nach Veränderung. Ein kleiner Akt, ein Stein, könnte alles kippen. Diese Spannung durchzieht das Werk, wie das Bedürfnis, etwas zu tun, bevor alles endet.
Redolfis Zeichnungen verstärken die leisen Veränderungen. Die Weite der Schneelandschaften kontrastiert mit der Enge und Isolation der Leben. Jede Doppelseite, welche die sich nähernde Bedrohung illustriert, zeigt die Natur als ultimative Revolte gegen menschlichen Hochmut. Während die Medien beschwichtigen und Konsumtempel wie Aéki weiter Möbel verkaufen, entblösst die Erzählung die Fragilität unseres Daseins.
Les Météores ist ein Roman über die Kraft kleiner Gesten angesichts des Niedergangs. Eine stille Erkenntnis, dass jede Existenz, so unscheinbar sie scheint, ein revolutionäres Potenzial birgt: das Recht, anders zu leben, bevor alles verglüht.

— Giovanni Peduto

Jean-Christophe Deveney,
Tommy Redolfi: «Les Météores: Histoires
de ceux qui ne font que passer».
Éditions Delcourt, Paris 2024,
in französischer Sprache, 308 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 44.50 / EUR 34,95

Griechischer Blues

«Metaxas hat seine tollwütigen Hunde losgelassen», erklärt die Tavernen-Besitzerin Katina den Musikern, die Abend für Abend bei ihr auftreten und den mittlerweile verbotenen Rembetiko spielen. «Die sind alle übergeschnappt! Im Radio verbieten sie schon Lieder mit orientalischen Klängen. Es brennt wirklich lichterloh!» David Proudhomme lässt sein neues Werk Rembetissa mit einer Diskussion darüber beginnen, ob man sich der neuen politischen Realität anpassen und den Musikstil ändern oder für die Freiheit der Kunst Verfolgung, Gewalt und Gefängnis in Kauf nehmen sollte. «Katina, ich spiele nicht einfach Musik, das ist
mein kulturelles Erbe», antwortet einer der Musiker. «Etwas anderes zu spielen hiesse, einen Schlussstrich unter all das zu ziehen. Das wäre ein zweites Exil. Der Entwurzelung das Vergessen hinzufügen. Jede Note ein Ausradieren.»

Als 1936 die Diktatur von General Metaxas installiert wurde, wollte der neue Herrscher Griechenland verwestlichen, und Teil dieses Projekts war die Zensur
des «griechische Blues», des Rembetiko, einer musikalischen Zusammenkunft von West und Ost. Rembetiko entstand in den Armenvierteln der griechischen Hafenstädte, verknüpfte musikalische Traditionen Griechenlands mit jenen des Orients. Proudhomme schreibt in seiner Vorrede zum bereits 2010 erschienenen Vorgängerband Rembetiko über diese Musik: «Man hört den Schmerz des Exils, die Romantik der Häfen, das Streunen der Nachtschwärmer, ihre leidvollen Liebesgeschichten. Das Scheitern und den Humor.»
Damit umschreibt Proudhomme nicht nur die titelgebende Musik, sondern auch seinen eigenen Comic, der durchzogen ist von diesem Scheitern und dem Humor, der sich in den Texten der Songs ebenso wiederfindet wie in der Handlung, alles Aspekte, die auch für die Fortsetzung Rembetissa gelten. Diesmal sind es die Frauen, die der Zeichner in den Mittelpunkt rückt. Neben der Kneipenwirtin Katina porträtiert er zwei Sängerinnen, die sich entscheiden müssen, wie sie mit
der Zensur ihrer Musik umgehen sollen; bleiben oder ins Exil gehen, singen oder verstummen. Als schliesslich das Hafenviertel abbrennt, in dem die Musiker gelebt haben, Katina verhaftet und ihre Taverne geschlossen wird, scheint Metaxas fürs Erste gewonnen zu haben. Doch der Rembetiko wird weitergespielt, anderswo, in neuen Tavernen und Hafenkneipen.

Proudhomme setzt Farben in seinem Comic wie Noten oder musikalische Leitmotive ein, komponiert über die Farbgebung Grundstimmungen der verschiedenen Episoden, die er ineinander übergreifen lässt. Zentral ist für ihn die Frage nach der Bedeutung von Kultur für die politische Artikulation, die er als Grundthematik seinen Comics unterschiebt. Der Rembetiko stellt in den Augen der Machthaber eine Bedrohung dar, eine Form des Widerstands gegen das politische System, und einen Affront gegen eine Kulturpolitik, die Musik von Randfiguren der Gesellschaft nicht dulden will. So weist Proudhomme mit seinem Comic auch über die konkrete Zeit und politische Situation hinaus und fragt nach dem Verhältnis von Kunst und Gesellschaft allgemein. Seine Antwort ist der Comic, in all seiner Ambivalenz und subversiven Kraft.

– Jonas Engelmann

David Proudhomme: «Rembetissa»
Reprodukt, 112 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 33.– / EUR 25

Miyazaki auf Papier

Die Erde ist seit mehreren Jahrhunderten in einem erbärmlichen Zustand. Nach mehreren vom Menschen verursachten Umweltkatastrophen überziehen Wälder aus Riesenpilzen, deren stinkende Sporen die Luft verpesten, den Planeten.
In diesen Wäldern wachsen monströse Mutationen wie die Ohmus und gigantische Insekten heran. Das Überleben der Menschheit steht auf der Kippe – doch statt sich zusammenzuraufen, um den endgültigen ökologischen Kollaps abzuwenden, führen die überlebenden Königreiche Kriege um den spärlichen Lebensraum und die letzten Ressourcen.

Hayao Miyazaki begann 1982 mit der Arbeit am Manga Nausicaä aus dem Tal der Winde, den er bereits 1984 zum gleichnamigen Anime verarbeitete. Der Erfolg des Films erlaubte Miyazaki die Gründung des Studio Gibli. Den Manga konnte Miyazaki, der in den 1980er-Jahren seinen Durchbruch als Animationsfilmer erlebte, deshalb erst 1992 abschliessen.

In dieser über 1000 Seiten starken Dystopie zwischen ScienceFiction, Fantasy, Mythologie und Zeitkritik umkreist Miyazaki viele Themen, die danach in seiner Arbeit immer wieder auftauchen sollten: Ökologie, Krieg, aber auch alternative Energien und Technologien wie Windkraft und Keramik.

Nausicaä ist die Tochter des sterbenden Fürsten aus dem von anderen Königreichen bedrohten Tal der Winde, einer egalitären agrarischen Gemeinschaft, die Miyazakis marxistische Ideale widerspiegelt.

Sie ist mit einem unerschütterlichen Glauben an das Gute gesegnet und macht sich auf, die Welt, nun ja, zu retten. Das klingt nach Fantasy-Dutzendware – ist es aber nicht: Miyazaki ist ein Pessimist, und auch wenn Nausicaä bisweilen übertrieben gut und rein ist, entschädigt er seine Leser*innen durch die
Vielzahl anderer Figuren, die wesentlich widersprüchlicher und deshalb glaubhafter gezeichnet sind. Die Erzählungen und Perspektiven dieser Gefährt*innen und Widersacher*innen Nausicaäs verknüpft Miyazaki, ohne die einzelnen Figuren moralisch zu werten, zu einem enorm vielschichtigen Handlungsgeflecht.

Nausicaä aus dem Tal der Winde ist ebenso komplex wie fesselnd und nimmt immer wieder überraschende Wendungen. Miyazaki bietet keine einfachen Lösungen an, und der Schluss ist, im Vergleich mit der Verfilmung, düster und pessimistisch.
Der Carlsen Verlag veröffentlichte Nausicaä aus dem Tal der Winde bereits 2001 und 2010 in sieben Softcover-Bänden. Nun legt Carlsen eine neue Ausgabe in vier Hardcover-Bänden vor: Das Format ist leicht grösser, und die filigranen und detailreichen Zeichnungen – in erdigorganischen Brauntönen – sind
viel klarer gedruckt und kommen endlich richtig zur Geltung.
Inhaltlich und künstlerisch hat Nausicaä ohnehin nichts an Dringlichkeit und Aktualität
verloren.

–Christian Gasser

Hayao Miyazaki: «Nausicaä aus dem Tal der Winde»
4 Bände, aus dem Japanischen von Jürgen Seebeck und Junko Iwamoto,
Carlsen Verlag, 216–316 S.,
Hardcover, ab CHF 28.– / ab EUR 20

Niemand handelt

Der Klimawandel ist längst kein abstraktes Zukunftsszenario mehr – und doch fehlt es weltweit an entschlossenem Handeln, um ihn wirksam zu begrenzen. Roberto Grossis Graphic Novel Die grosse Verdrängung bringt diese globale Lähmung mit visueller Schärfe und analytischer Tiefe auf den Punkt. In einer klugen Verbindung von Sachcomic, politischer Analyse und autobiografischer Erinnerung gelingt ihm ein Werk, das informiert, berührt und verstört.
Grossi beginnt bei der planetaren Gesamtlage und dringt dann über die ökologischen und biologischen Auswirkungen zu den sozialen Folgen vor – wie Ungleichheit, Krieg und geistige Verdrängung. Dabei gibt er den gesellschaftlichen Ursachen der Erderwärmung viel Raum – und zeigt, wie eng Klimawandel und Machtverhältnisse miteinander verknüpft sind.
Stark sind die Rückblenden in Grossis Kindheit: Die einst majestätischen Gletscher am Mont Blanc, etwa das Mer de Glace, sind heute dramatisch geschrumpft. Ihr Rückgang steht sinnbildlich für die Erderwärmung. Der Kontrast zwischen Vergangenheit und Gegenwart erzeugt eine beklemmende Wucht, die sich durch das ganze Werk zieht.
Grossi arbeitet konsequent mit visuellen Kontrasten. Über viele Seiten hinweg stellt er auf jeweils zwei Panels gegensätzliche Aspekte des Klimawandels einander gegenüber: So kontrastiert er schmelzende Gletscherzungen mit Autobahnen, die Rakete eines Milliardärs mit einer PET-Flasche zum Wassersammeln oder schwindende Eisblöcke mit wuchernden Kunstschneepisten. Diese wortkargen Bildfolgen entfalten eine unheimliche Chronik des Verlusts, die ihre Wirkung nicht verfehlt: Leser*innen erleben so den Klimawandel als unerbittliche Serie negativer Ereignisse, die betroffen macht.
Doch hier liegt auch die Schwäche des Werks: Aus der Betroffenheit entsteht kein politischer Handlungswille. Grossis Kritik an der globalen Elite, die nachweislich den Grossteil der CO2-Emissionen verursacht, greift ins Leere, seine politische Analyse bleibt einseitig und echte Handlungsoptionen fehlen. Die Entmachtung der Eliten und das Ende des Kapitalismus reichen nicht aus, um die Erderwärmung zu stoppen. Auch demokratische Staaten müssen komplexe Aushandlungsprozesse führen, um eine weltweite Klimapolitik wirksam zu gestalten.
Wie er dieses Dilemma zum Schluss künstlerisch aufgreift, ist dann wieder grossartig: In einer Sequenz immer kleiner werdender Panels versinken Porträts von Menschen langsam im Meer, bis zuletzt nur noch der leere Ozean bleibt. Die Frage «Können wir uns unserer Verantwortung entziehen?» hallt so noch lange nach – und macht Die grosse Verdrängung zu einem eindringlichen Appell in Comicform.

Florian

Roberto Grossi: «Die grosse Verdrängung»
Avant Verlag, 208 S.
Flexcover, farbig
CHF 37.90 / EUR 25

Der Pfiff aufs Ganze

Gesinnungen jeder Art seien abzulegen, forderte Walter Serner in seinem Manifest Letzte Lockerung. Ein Handbrevier für Hochstapler und solche die es werden wollen, das beim ersten Vortrag 1918 in Zürich während einer Dada-Soirée zu Tumulten im Publikum führte. «Weltanschauungen sind Vokabelmischungen» warf er den Zuhörer*innen an den Kopf und schrie an gegen den Krieg, die Revolution, die Wahrheit der Sprache, gegen Metaphysik, Moral und Theorie. Und letztlich gegen Dada selbst: für die Buchveröffentlichung des immer weiter angewachsenen Textes 1927 hatte er sämtliche Bezüge zum Dadaismus gestrichen. Geblieben ist ein Manifest für Hochstapler, Glücksritter und Dandies auf der Suche nach Zerstreuung, ein Text der totalen Entlarvung der Verkommenheit der Gesellschaft, durchzogen von einer Ironie und Lakonie, einer assoziativen Gedankenführung, die bereits sprachlich die Sinnhaftig­keit philosophischer und literarischer Texte und in letzter Konsequenz der Gattung Manifest selbst hinterfragt. Auch in der Biographie von Serner selbst zeigt sich eine Entwicklung, die von der grossen revolutionären Geste hin zur kleinen Literatur der Aphorismen und schliesslich ins künstlerische Verstummen führt: gehörte er in der ersten Dada-Generation in Zürich noch zu den schärfsten und provokantesten Autoren, ein «grössenwahnsinniger Aussenseiter» (Tristan Tzara), hat er nach 1927 nichts mehr publiziert. 1942 wurde der als Walter Seligmann geborene Serner zusammen mit seiner Frau Dorotea Herz nach Theresienstadt deportiert und ermordet.

Nun hat sich der Wiener Künstler und Grafiker Dominik Hruza dem Manifest angenommen und in ein künstlerisches Comic-/Illustrations-Experiment überführt: Er hat eine KI mit Bildmaterial aus der Schaffenszeit Walter Serners gefüttert, sie trainiert, um dann Illustrationen zum Manifest erzeugen zu lassen, die Hruza wiederum um den Text Serners herum angeordnet hat. Die Personen, die diese Bilder bevölkern, wirken merkwürdig entrückt, wirken so leblos wie das bürgerliche Publikum, dem Serner nahelegte: «Es ist gegenwärtig in jeder Hinsicht empfehlenswert, auszusterben.»
Mit dieser Forderung scheint die KI überfordert und produziert einfach weiter die gleichen Bilder, die aus Modezeitschriften der Zwanziger zu entstammen scheinen. Durch diese offensive Teilnahmslosigkeit der Bilder wirken die Figuren nicht nur grotesk, sondern auch unheimlich, «generative Höllen-Breughel» nennt Thomas Raab im Nachwort die Bilder. Über Sinn und Unsinn eines solchen künstlerischen Experiments kann man streiten, Serner hätte der Idee, einer in die Zukunft gewandten Technologie eine leblose, grotesk überformte Vergangenheit anzutrainieren, um die in Letzte Lockerung formulierte Gesellschaftskritik zu unterstreichen, aber sicherlich etwas abgewinnen können.

– Jonas Engelmann

Walter Serner / Dominik Hruza: «Letzte Lockerung».
Moloko Print, 100 S.,
Softcover, farbig,
CHF 31.— / EUR 24

Eine Familiengeschichte mit Federn und Tiefgang

Als Elmer stirbt, versammelt sich seine Familie in seinem Haus, um Abschied zu nehmen. In diesem Moment der Trauer treten Risse in den Beziehungen zutage und unausgesprochene Spannungen brechen auf. In Elmer erzählt der philippinische Zeichner Gerry Alanguilan liebevoll eine Familiengeschichte voller Wärme. In dieser Familie wird geholfen und gestritten. Eine ganz normale Familie also. Fast. Denn Elmer und seine Familie sind Hühner – sprechende Hühner, die den Menschen in Sachen Intelligenz ebenbürtig sind!
Im Zentrum steht Jake Gallo, Elmers Sohn. Durch die Aufzeichnungen seines Vaters lernt er nicht nur dessen Leben kennen, sondern auch die gesellschaftliche Entwicklung der Hühner: Elmer gehörte zur ersten Generation sprechender Hühner, die die Mastbetriebe der Fleischindustrie verliessen und zu vollwertigen Mitgliedern der menschlichen Gesellschaft aufstiegen.
Was zunächst absurd klingt, funktioniert überraschend gut: Elmer unterhält von der ersten Seite an und lässt einem die Figuren rasch ans Herz wachsen. Gerry Alanguilan erzählt mit einer leichten Feder, die keinerlei Denkakrobatik erfordert. Vielmehr berührt es nachwirkend, wie Jake Gallo die Geschichte seines Vaters aufarbeitet und sich dabei mit seiner Vergangenheit und mit den Menschen aussöhnt. Auch wenn Alanguilan ernste Themen wie Integration, Diskriminierung, Chancengleichheit, familiäre Konflikte und Vergebung anspricht, findet er den passenden Ton. Er überdramatisiert nicht und beschönigt nichts.
Die Figuren sind glaubwürdig, die Dialoge lebendig. Elmer ist eine feinfühlige Graphic Novel, die berührt und zum Nachdenken anregt, ohne sentimental zu wirken. Seit der Erstveröffentlichung 2009 hat sie nichts an Aktualität eingebüsst. 2011 wurde sie für den Eisner Award nominiert, und sie gewann zwei französische Comicpreise. Ihre Botschaft, dass Versöhnung über soziale Spaltung hinweg möglich ist, trifft bis heute ins Schwarze.

Elmer ist ein Höhepunkt der philippinischen Comic-Renaissance der 1990er- und 2000er-Jahre, die Alanguilan massgeblich mitgestaltete. Ursprünglich Architekt, arbeitete er als Tuschzeichner für die Superhelden-Verlage Marvel, DC und Image. Die Prägung durch US-Comics ist spürbar, doch sein Stil bleibt eigen: nuanciert, atmosphärisch dicht und grafisch präzis.
Alanguilan greift Themen auf, die bis heute typisch sind für philippinische Comics: Diktatur, Fremdherrschaft, Identität und soziale Ungleichheit. Dass Elmer nun auf Deutsch vorliegt, ist ein echter Gewinn. Dem Dantes Verlag ist ein besonderes Kränzchen dafür zu winden, dass er auch die philippinischen Comics von heute übersetzt.

– Florian Meyer

Gerry Alanguilan: «Elmer»
Dantes Verlag, 144 S., Softcover, s/w,
CHF 27.90 / EUR 18

Echtzeitkrieg

Als Marvel 1986 die Comic-Serie The ’Nam startete, war das eine radikale Abkehr vom üblichen Superhelden-Pathos. Sie zeigte den Vietnamkrieg in seiner brutalen Realität und ohne wundersame Rettung durch Supermenschen. Autor Doug Murray, selbst Vietnamveteran, und Zeichner Michael Golden entlarvten den Krieg als moralisches Minenfeld, das nicht Befreiung, sondern Entfremdung brachte. Murray wollte eine Comic-Code-konforme Serie schaffen, um zumindest einen Teil der Geschichte Kindern zu erzählen und Gespräche über den Krieg anzuregen. Im Zentrum standen nicht politische Strategien, sondern der Alltag einfacher Fusssoldaten und ihre persönliche Sicht auf den Konflikt.
Die Stärke von The ’Nam ist dessen Bezug zur Realität. Die ersten 13 Ausgaben basieren auf tatsächlichen Erlebnissen von Murray und seinen Kriegskameraden. Die Serie zeigt realen Alltag und die Korruption im System: Offiziere, die Statistiken frisieren, Medien, die Lügen verbreiten, und eine Heimat, die ihre Veteranen vergisst. Die Serie ist dokumentarisch und jede monatliche Veröffentlichung entspricht einem Monat der erzählten Handlung. So erleben die Leser*innen den Vietnamkrieg im selben Tempo, wie die Figuren ihn in der Geschichte erlebten.
Politisch ist The ’Nam ein Schlag gegen die Illusion des gerechten Krieges. Während traditionelle Kriegs-Comics wie Sgt. Fury, Fury and His Howling Commandos oder Sgt. Rock den Soldaten heroisch verklären, verweigert Murray jede Glorifizierung. Selbst Ereignisse wie die Tet-Offensive erscheinen als Trauma, nicht als Triumph. Bahnbrechend war die Serie durch ihre Nähe zur Kriegsrealität und ihre Dekonstruktion des Superhelden-Mythos, auch wenn Marvel später Gastauftritte von Captain America, Iron Man oder dem Punisher zulässt.
Allerdings bleibt The ’Nam weniger explizit antikriegerisch als alternative Comics jener Zeit wie Maus, Wenn der Wind weht oder gar die Serie Blazing Combat aus den 1960ern. Die vietnamesische Perspektive fehlt fast völlig. Trotzdem zählt The ’Nam – neben Filmen wie Platoon (1986) und Romanen wie A Rumor of War (1977) oder The Things They Carried (1990) – zu den bedeutendsten Chroniken eines nationalen Traumas. Eine grosse Veteranenorganisation lobte die Serie gar als beste mediale Darstellung des Vietnamkriegs.

– Giovanni Peduto

Doug Murray, Michael Golden: «The ’Nam: 1966-1969 Omnibus»
Marvel Comics, New York 2025,
in englischer Sprache, 1128 S.,
Hardcover, farbig, USD 125

Fleisch!

Eigentlich wäre Erwin alt genug für den Ruhestand, doch bringt er es nicht übers Herz, die Quartiermetzgerei Merz, die er zusammen mit seiner Frau Margrit führt, aufzugeben – nicht zuletzt, weil er keine Nachfolge findet. Den Laden einem Optiker zu überlassen und die ganze Einrichtung in der Metallsammlung zu verschrotten, nein, das schafft er nicht.

Die Zeiten haben sich geändert. Die Menschen essen weniger Fleisch, kaufen es lieber möglichst billig beim Discounter. Produktion und Verzehr von Fleisch werden zunehmend geächtet. Erwins Stolz auf sein Handwerk und insbesondere auf seine Würste wirkt aus der Zeit gefallen. Im Trend liegt anderes: Vegane Kost, Hafermilch, Tofu – für Erwin Fremdwörter, mit denen er sich nicht mehr anfreunden kann.

Comics über Metzger sind eher selten. Dass der junge Berner Autor und Zeichner Martin Oesch eine Metzgerei zum Schauplatz seiner ersten Graphic Novel macht, ist allerdings folgerichtig: Nach seinem Studium der Illustration an der Hochschule Luzern gründete der gelernte Metzger mit Freunden in Bern die Bio-Metzgerei La Boulotte. Mit Erwins Welt und seinen Sorgen ist Oesch – trotz des Altersunterschieds und einer grundsätzlich anderen Haltung dem Beruf des Metzgers gegenüber – also bestens vertraut.

Während Margrit zunehmend frustriert ist, weil im Bett zu wenig Fleischeslust zelebriert wird, leidet Erwin an Albträumen, die mit seinem Beruf zu tun haben. Er stürzt in eine Sinnkrise, sucht Freunde und Weggefährten auf, Bauern, Schlachter, Zwischenhändler, mit denen er sich in seiner lakonischen Art über den Lauf der Zeit austauscht. Viele passen sich an, erfinden sich neu, legen Gemüsegärten an; Tofu ist kein Schimpfwort mehr, und Cannabis entpuppt sich als tatsächlich wohltuendes Mittel zum Lindern von Erwins schwarzen Nächten.

Fleischeslust ist keine Abrechnung mit der Welt der Metzger*innen und Fleischfresser*innen, sondern eine melancholische Ballade über das Ende einer Zeit, über Umbrüche, die nicht alle vollziehen können. Oesch erzählt sie behutsam, mit Empathie, nicht morallastig, in bunten Filzstiftzeichnungen, in denen vor allem die intensiven fleischlichen Rosatöne auffallen.

Im Hintergrund schwingt immer auch Oeschs Reflexion über sein eigenes Verständnis als Metzger mit, ob und wie es möglich ist, Fleischverzehr, Tierwohl und Klima­schutz zu verbinden. Fleisch – so vielleicht das verkürzte Fazit – müsse zum regional produzierten Luxusgut werden.

Es geht Oesch in Fleischeslust, für das er das Stipendium der Schweizer Städte erhalten hat und für den Comicbuchpreis der Bertold-Leibinger-Stiftung nominiert wurde, allerdings weniger um das Aufzeigen von Lösungen, als um das genaue Beobachten einer Zeitenwende.

– Christian Gasser

Martin Oesch: «Fleischeslust».
Edition Moderne, 200 S.,
Softcover, farbig,
CHF 35.— / EUR 29

Staying alive

Aktuell fragt man sich vermehrt, inwieweit wir am Ende der Evolution angekommen sind, wenn Generationen vor uns in gesellschaftlichen und sozialen Themen einfach viel fortschrittlicher waren. In der heutigen Zeit wird der folgend besprochene Comic sicherlich nicht in eine amerikanische Bibliothek aufgenommen werden, und auch die literarische Vorlage ist wahrscheinlich längst aus den Regalen verbannt worden. Virginia Woolf hat mit Orlando Weltliteratur geschrieben und einen Meilenstein für die Frauenbewegung und die queere Literatur geschaffen. In einer damals wie heute leider immer noch männerdominierten Literaturwelt war und ist sie eine Vorreiterin bei den Themen Emanzipation, Feminismus und Geschlechteridentität. Der Orlando-­Text ist nun knapp hundert Jahre alt, könnte aufgrund seiner Thematik nicht aktueller und zeitgemässer sein als jetzt. Susanne Kuhlendahl hat Woolfs surreale Auseinandersetzung mit Geschlechteridentität und den damit einhergehenden gesellschaftlichen und sozialen Konfrontationen in einen rauschhaften Roadcomic verwandelt. Erzählt wird die fiktive Biografie eines leidenschaftlichen jungen Adeligen, der nicht nur durch die Zeit, sondern auch durch die Geschlechteridentität reist. Im 16. Jahrhundert beginnend, bedient sich Kuhlendahl dem Kunstgriff, den männlichen Orlando zunächst noch skizzenhaft zu zeichnen. Über die Jahrhunderte hinweg taucht der Protagonist in die Epochen ein, und aus dem männlichem geht die weibliche Orlando hervor, die nun, im 20. Jahrhundert angekommen, zeichnerisch als ausgereift und vollendet dargestellt wird. Ein atemberaubender Bilderrausch, der neugierig auf die literarische Vorlage macht, die hoffentlich auch in unseren Breitengraden weiterhin fester Bestandteil der Bibliotheken und des Literaturkanons bleibt.

— Matthias Schneider

Virginia Woolf, Susanne Kuhlendahl: «Orlando».
Verlag Helvetiq, 208 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 38.— / EUR 27

Die rote Freiheitsmaschine

Franz Suess widmet sich in seinen Geschichten mit Vorliebe Aussenseitern und Einzelgängerinnen, verschrobenen Charakteren; Leuten, die eher unten an der gesellschaftlichen Leiter stehen, in materieller Hinsicht wie auch, was das Sozialleben betrifft. Sie seien seinem Herzen näher, hat er selbst einmal dazu gesagt. Wer seine Comics liest, sieht dies an der Art, wie er diese Figuren beschreibt, wie er sie in seinen Zeichnungen lebendig werden lässt und ihnen immer eine gewisse Würde gewährt. Die Titelfigur in Franz Suess’ neuem Comic, der Jugendliche Jakob Neyder, lebt bei einer leicht überforderten Mutter in der Stadt; Jakobs engster Vertrauter scheint sein treuherzig blickender Hund Bruno zu sein; dann gibt es noch die On-off-Freundin Susi und den Schulfreund Tim. Keinem dieser Menschen in seinem Leben kann Jakob aber anvertrauen, was ihm zusetzt: Er hat vor kurzem im Affekt eine Straftat begangen, nun quält er sich mit der Schuld, von der er sich zunehmend verfolgt fühlt. Als seine Mutter ihn über die Ferien in das abgeschiedene Sommerhaus auf dem Lande schickt, um den kränklichen Bruno zu pflegen, ist Jakob nicht begeistert – aber immerhin besteht die Hoffnung, die Schuldgefühle abzuschütteln.
Der Österreicher Franz Suess hat Malerei und Grafik an der Kunstuniversität Linz studiert, hat grafisches Gestalten unterrichtet und ist erst spät zum Comic-Zeichnen gekommen. Der Hintergrund als bildender Künstler war schon seinen früheren Comics wie etwa dem malerisch kolorierten Kriminaldrama Diebe und Laien anzumerken. Die Farbgebung in Jakob Neyder charakterisiert unter anderem die unterschiedlichen Schauplätze der Geschichte: Der Teil, der in der Stadt spielt, ist in Schwarzweiss gehalten, in feinen harten Strichen, die fast wie Radierungen wirken; das effektvolle Spiel mit Licht und Schatten ist gepaart mit einem Lettering, das mal weiss auf dunklem Grund, mal schwarz auf weiss steht. Im Kontrast dazu steht Jakobs von der Mutter forcierter Ausflug aufs Land, der mit dem nahegelegenen Badesee Erfrischung bieten könnte. Hier leuchten die Seiten in kräftigen Farben; die Farbe Rot setzt anfangs lediglich Akzente – zum Beispiel an dem alten Fahrrad im Schuppen, das als Freiheitsmaschine im Nirgendwo fungiert – und erhält im Lauf der Handlung immer mehr Raum, in dem Masse, wie die Sommertage heisser und bedrohlich drückender werden und sich die Dinge für Jakob zuspitzen. — Barbara Buchholz

Franz Suess: «Jakob Neyder».
Avant-Verlag, 184 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 38.— / EUR 29

Die grosse Lüge

«You say you want a revolution…», sangen die Beatles 1968 und fragten damit, ob wir den Preis eines abrupten sozialen Wandels wirklich verstehen. Edel Rodriguez’ Worm: A Cuban American Odyssey kann als Antwort auf diese Frage gesehen werden: eine aussergewöhnliche Erinnerung daran, was nach dem Erfolg einer Revolution geschehen kann.
Im Januar 1959, ein Jahrzehnt bevor der Song Revolution die Charts stürmte, stürzten Fidel Castro und seine Rebellen die korrupte Regierung von Fulgencio Batista in Havanna, Kuba. Was danach kam, war eine andere Art von Tyrannei; ein kommunistisches Regime, das auf Überwachung, Angst und erzwungener Gleichheit beruht. Edel Rodriguez – einer der bekanntesten Illustratoren und politischen Karikaturisten der Gegenwart – wurde in einem Land geboren, das durch eine Revolution neu gestaltet und in dem die individuelle Freiheit im Namen einer Ideologie ausgelöscht wurde. Worm ist sowohl persönliche Geschichte als auch historisches Dokument und zeigt, wie die Versprechen einer Revolution zu Unterdrückung und Verweigerung grundlegender menschlicher Freiheiten führen können.
Rodriguez zeichnet das postrevolutionäre Kuba in einem kühnen Stil, der an Lynd Ward, Käthe Kollwitz oder manchmal sogar – ironischerweise – an die grafische Kraft der sowjetischen Propaganda erinnert. Seine Seitenlayouts fliessen wunderschön und verlangsamen oder beschleunigen das Lesetempo, um es den jeweiligen Emotionen anzupassen. Die Linienführung ist dick, emotional aufgeladen und gemahnt an die von Castros Regierung auferlegten schwarz-weissen Moralvorstellungen. «Wir lebten in einem Land, das von der Welt abgeschnitten war», schreibt Rodriguez, «wie in einem Gefängnis auf einer Insel» – eine Aussage, die im Mittelpunkt der visuellen und emotionalen Schwerkraft des Buches steht.
Worm ist eine eindrucksvolle Familienchronik über das Aufwachsen in einem System, in dem der Staat versucht, die Familie zu ersetzen. «[Kinder] wurden von der Revolution erzogen, von Castros Entscheidungen darüber, was gut für sie war, und nicht von dem, was ihre Familien wollten.» Das Ergebnis sind Generationen, die zu Gehorsam und Angst erzogen wurden. Die Rationierung führte zu Hunger, die Ideologie zu Verfolgung. Die Flucht von Rodriguez‘ Familie während der sogenannten Mariel-Bootsflucht, 1980 – nachdem sie von Castro-Anhänger*innen geschlagen und als «Würmer» (gusanos) bezeichnet wurden, weil sie sich für ein anderes Leben entschieden hatten – wird mit packender Unmittelbarkeit dargestellt, ein jedes Bild voller Gefahr und Verzweiflung.
Rodriguez erzählt auch von seiner Rückkehr nach Kuba, 14 Jahre nach seiner Flucht, wo er alles andere als das vom Sozialismus versprochene Paradies vorfindet, nämlich nur Verfall, Mangel und Verzweiflung: «Die grosse Lüge», wie er es nennt. Seine Perspektive als nunmehr amerikanischer Staatsbürger, der aus einem Land, das von seinen eigenen Herausforderungen und Widersprüchen geprägt ist, auf die Revolution zurückblickt, verleiht Worm eine kraftvolle Doppelperspektive, die sowohl Anklage als auch Klage ist.
Worm ist nicht nur eine der besten Comic-Memoiren, die ich je gelesen habe – durchaus vergleichbar mit Art Spiegelmans Maus oder Marjane Satrapis Persepolis –, sondern auch eine Geschichte über Macht, Politik und die menschlichen Kosten einer ungezügelten Ideologie. Revolutionen mögen mit gerechtem Zorn beginnen, aber sie enden leider oft damit, dass Stimmen wie die von Rodriguez zum Schweigen gebracht werden. «Du sagst, du willst eine Revolution?» – Überleg dir gut, was du dir wünschst!

– Mark Nevins

Edel Rodriguez «Worm: A Cuban American Odyssey»
Metropolitan Books, 2023,
in englischer Sprache, 304 S.,
Hardcover, farbig, USD 30

Zeichnungen: Tim Iso Wey

Joakim Drescher
(*1986) Ist ein dänischer bildender Künstler, Grafiker und Schriftsteller, der für seinen unverwechselbaren Erzählstil und seine lebendigen Illustrationen bekannt ist. Der Sohn zweier Künstler*innen verbrachte seine Kindheit in Indonesien, Neuseeland, China, den Niederlanden und den USA, bevor er sich 2015 in Kopenhagen niederliess. Drescher erwarb seinen Bachelor of Arts an der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Bekannt wurde er mit seiner Serie «Motel Universe», einer Sammlung von Graphic Novels, die in einer dystopischen, hedonistischen Galaxie spielen. Die Serie wurde von Secret Acres in New York und Terry Bleu in Amsterdam veröffentlicht, wobei der dritte Band 2023 erschien.
@joakimdrescher

Līva Kandevica
Sie wurde in Lettland geboren und lebt und arbeitet derzeit in Berlin. Sie arbeitet hauptsächlich mit Acrylfarben in erdigen, abgedämpften Tönen und beschäftigt sich mit alltäglichen Figuren und surrealen Erzählungen. Ihre Arbeiten wurden international veröffentlicht, unter anderem in kuš!, DUMMY Magazine, Nieves und Wobby Magazine. Im Jahr 2023 erschien ihr Buch «The Limerence» bei Colorama. Sie ist ausserdem Mitglied des Künstlerkollektivs Fanart, das regelmässig ein gleichnamiges Zine veröffentlicht.
livakandevica.com
@livuxx

Alice Britschgi
(*1992) Ist Journalistin und lebt in Zürich. Sie schreibt vor allem für den Gesellschaftsteil des «Tages-Anzeigers». Davor arbeitete sie in der Gastronomie, im Museum, in einer Werbeagentur als Texterin, bei einer Augenärztin und in einem Küchenladen. Sie studierte Germanistik und Evolutionäre Linguistik in Zürich, Helsinki und Berlin und ein Jahr Fotografie an der Kunsthochschule in Luzern. Vor Kurzem schloss sie zudem die Diplomausbildung Journalismus am MAZ in Luzern ab.
www.alicebritschgi.ch
@aliceinbutter

Varya Yakovleva
ist eine russische Künstlerin und Animatorin, die derzeit im Exil in Frankreich lebt. Als Mitglied von L’atelier des artistes en exil wurden ihre Kunstwerke in 9 Einzelausstellungen und über 60 Gruppenausstellungen gezeigt. Ihre Animationsfilme «Anna Cat and Mouse» (2019), «Life is a Bitch» (2020) und «Oneluv» (2022), gewannen unzählige internationale Auszeichnungen. Seit 2018 unterrichtet sie Kunst, erst als Dozentin an der British Higher School of Art and Design (Moskau), seit ihrem Exil als Projektkuratorin an der Fakultät für Design und Kunst der Freien Universität Bozen (Bozen, Italien). Als ehemalige Bewohnerin von La Maison des Auteurs (Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, Angoulême) hat sie mit Eidola Éditions, Les Mains Sales und mehreren unabhängigen Kleinstverlagen zusammengearbeitet.
@varya__yakovleva

Daniel Lima
(*1971) Ist ein portugiesischer Illustrator und Comic-Zeichner. Er studierte Bildende Kunst an der Schule für Kunst und
Design in Caldas da Rainha, Portugal. Als Freiberufler arbeitete er unter anderem mit Zeitungen und Zeitschriften wie Independente (PT), Público (PT), The Lifted Brow (AU), Le Monde Diplomatique (DE) und The New Yorker (US) zusammen. Einige seiner Comics wurden in Anthologien wie «š!» (LV), Kuti (FI) oder Smoke Signal (USA) veröffentlicht. Sein letztes Buch «Anguesângue» ist bei «kuš!» (LV) und «Chili Com Carne»(PT) erschienen. Er unterrichtet Illustration und ist Mitkoordinator der Abteilung für Illustration/Comics am Ar.Co – Zentrum für Kunst und visuelle Kommunikation in Lissabon.
www.daniellima-dl.tumblr.com

Lorik Visoka
(*1988) Geboren in Pristina, mag die Alpen, aber nicht ihre stille und andauernde Selbstbezogenheit.

Roope Eronen
Ist ein finnischer Comic-Zeichner und Zeitreisender, der seit Ende der 80er-Jahre Comics veröffentlicht. Er ist eines der Gründungsmitglieder des Kutikuti-Kollektivs. Roope hat Monografien in Finnland, Frankreich, Lettland, Grossbritannien und Belgien veröffentlicht. Derzeit arbeitet er an einem Comic-Projekt für Kinder. Ausserdem beschäftigt er sich mit experimenteller Musik, unterrichtet Kinder im Zeichnen von Comics und braut Bier.
kalmakumpu.fi
@erosroope

David Jäger
Er hat nach einem Kunststudium in Luzern Philosophie und Theologie in Basel studiert. Heute arbeitet er als Pfarrer in der evangelisch-reformierten Kirchgemeinde Stäfa-Hombrechtikon – zumindest offiziell. In seiner Arbeit tastet er sich vorsichtig an die Grenzbereiche von Wut, Zerstörung und Selbstreflexion heran, ohne zu behaupten, dort Antworten zu finden. Jäger ist verheiratet mit einer Modedesignerin und Vater von zwei Kindern im Gymnasialalter. Sein Denken schwankt zwischen nüchterner Analyse, leiser Verzweiflung und dem Versuch, Momente zu erkennen, in denen Glaube und menschliches Handeln vielleicht doch etwas verändern könnten – oder auch nicht.

Jules Spinatsch
(*1964) Gehört zu den erfolgreichsten Künstlern seiner Generation, mit Gruppen- und Einzelausstellungen unter anderem im Museum of Modern Art in New York, in der Tate Modern in London, im San Francisco Museum of Modern Art, im Fotomuseum Winterthur und im Kunsthaus Zürich. Werke Spinatschs befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen.
Seine Monografien «Temporary Discomfort», «Vienna MMIX», «Snow Management – Complex» oder «Davos is a Verb», gehören zu den gewichtigen Fotografie-Publikationen der letzten Jahre. Jules Spinatsch erhielt 2004 und 2014 den Swiss Art Award.
www.jules-spinatsch.ch
@jules.spinatsch

Open Call: Roman Klug
(*1970) Ist Lehrer für visuelle Bildung und zertifizierter Erwachsenenbildner. Er hat einen Kurs für Management von Museen, Ausstellungen und Kunstprojekten absolviert. Während seines Architekturstudiums begann er, als bildender Künstler zu arbeiten. Seit 1998 ist Klug als Grafikdesigner tätig. Seit 2000 ist er an der Universität Graz beschäftigt. Seine Lehr- und Vortragstätigkeit umfasst die Themen Kunst, Grafik, Grafikdesign, Medien, Medienkultur, Mediendesign, visuelle Kommunikation und visuelle Kompetenz. Er versetzt sich in einen aussergewöhnlichen Zustand, um mit seinen freien und unbewussten Assoziationen zu arbeiten – mit Atemübungen, ohne Einfluss von Drogen. Klug sagt: «Eigentlich sind meine Werke psychische Anagramme». Seit mehr als 12 Jahren arbeitet er noch immer an seinem Meisterwerk, einer Graphic Novel mit dem Titel «Vogelglück».

Tim Iso Wey
(*1993) Lebt und arbeitet in Zürich. Ausbildung als Grafiker. Zeichnet heute vor allem impulsiv und selbsttherapeutisch. Oft im Proberaum oder auf kleinen bis grösseren Bühnen als Schlagzeuger anzutreffen.
@timisowey

Katharina Kulenkampff
Sie Lebt und arbeitet in Berlin. Gerade ist ihr erster Comic «Wie ich ein grauer Hund wurde» bei Rotopol erschienen.
kulenkampff.xyz
@katharinakulenkampff

Sandra Künzi
Lebt und arbeitet in Bern. Sie gehört zur ersten Generation des Schweizer Poetry Slams. Heute schreibt sie für Bühne, Radio und Papier. 2013 erschien ihr erstes Buch «Mikronowellen», 2014 erhielt sie die Auszeichung Weiterschreiben der Stadt Bern und 2017 ein Schreibstipendium des Kantons Bern für «Die Hülle», welche 2021 erschien. Eine satirische Erzählung Über die Diskussion rund um die «Burka-Initiative». Künzis Texte begeistern durch Direktheit und Präzision. Ihre Bühnenperformance ist nachhaltig. Künzi ist Mitbegründerin des Berner Lesefestes Aprillen (seit 2014) und Teil des Duos Künzi&Frei (Drogen im Advent). Im Übrigen liebt sie Jassen, Schafe und Feuer.
sandrakuenzi.ch

Lukas Verstraete
(*1992) Geboren in Belgien, füllt er seine grafische Welt mit nachdenklichen Verlierern, grotesken Frauen, zweifelhaften Rittern und elenden Verrückten. Seine Arbeiten triefen vor Schweiss, Zweifel, Naivität, Schmutz, Stereotypen und einem Hauch von Zärtlichkeit. Er kratzt an der grossen Frage: Was bedeutet das alles? Seine Zeichnungen sind in HUMO, The New York Times, Stripburger, Wobby, Aline und Le Monde Diplomatique erschienen. 2013 gewann er den Best Script Award bei Fumetto. Sein Debüt «Een Boek Waarmee Men Vrienden Maakt» (Bries, 2017) wurde in Frankreich (Éditions Même Pas Mal) und den USA (Fantagraphics) übersetzt. Seit 2018 unterrichtet er an der LUCA in Brüssel und Gent.
lukasverstraete.com
@lukasverstraete

Tabea Steiner
Sie ist Literaturvermittlerin, organisiert Festivals und Literaturveranstaltungen, arbeitete in Literatur-Jurys und unterrichtet literarisches Schreiben am Studiengang illustration fiction an der HSLU. Ihr erster Roman «Balg» wurde für den Schweizer Buchpreis nominiert. Im Frühjahr 2023 kam der zweite Roman «Immer zwei und zwei» heraus, und ihre Essays kamen 2022 unter dem Titel «Provinces» in englischer Übersetzung heraus und erschienen im Herbst 2024 auf Deutsch unter dem Titel «Heidi kann brauchen, was sie gelernt hat». 2025 ist sie Stipendiatin im Herrenhaus Edenkoben und arbeitet als Artist in Residence der Stiftung Landis & Gyr in Sofia.
tabeasteiner.ch
@tabea_steiner_

Zsófia Rumi
(*1991) Geboren in Kecskemét, Ungarn. Sie ist Grafikerin, Illustratorin und gelegentlich auch Puppenspielerin und Gärtnerin. Zusammen mit ihrem Partner Árpád Szigeti betreibt sie in Budapest die Hurrikan Press, eine kleine Risodruckerei. Rumi ist ausserdem langjähriges Mitglied des Organisationsteams des in Budapest ansässigen DIY-Zine-Events Ukmukfukk Zinefeszt und arbeitet im Sommer als Puppenspielerin am Bread and Puppet Theater in Glover, Vermont. Ihre Arbeit ist weitgehend inspiriert von ihrer Kindheit im Theater, der osteuropäischen Illustration der 70er-Jahre und dem Zeichnen mit ihren Freunden. Sie liebt alle Formen des Live-Storytelling, die Standbilder beinhalten: Crankies, Bänkelgesang, Comic-Lesungen und vieles mehr!
@rumizsofi
@hurrikanpress 

Paul Poser
(*2003) Studiert Philosophie und Politikwissenschaften an der Friedrich Alexander Universität Erlangen-Nürnberg und ist studentische Hilfskraft am Lehrstuhl für Politische Theorie und Ideengeschichte sowie am Lehrstuhl für Schulpädagogik mit dem Schwerpunkt Educational Governance und Educational Change.

Patrick Spät
(*1982) Lebt als freier Buchautor und Comics-Zenarist in Berlin. 2019 erschien in Zusammenarbeit mit der Zeichnerin Bea Davies «Der König der Vagabunden» beim avant-verlag. Zusammen mit der Zeichnerin Sheree Domingo veröffentlichte er 2022 «Madame Choi und die Monster» bei der Edition Moderne. Seine Comics wurden u.a. ins Französische, Englische und Koreanische übersetzt. Derzeit arbeitet er zusammen mit Sheree Domingo an seinem nächsten Comic «Beluga».
literaturport.de/patrick.spaet
@patrick.spaet

Alex Treskman
(*2001) Die in Helsinki geborene finnisch-schweizerische Künstlerin hat 2025 das Drawing Year an der Royal Drawing School in London absolviert. Davor hat sie zwei Jahre lang an der HSLU Illustration studiert, sie plant, das Studium spätestens 2027 abzuschliessen.
@alex_treskman

Anatole Fleck
(*1991) Lebt, liebt und hadert in Zürich.