Blutige Tage

Barbara Buchholz: Glücklich sieht sie nicht aus, die rothaarige Emmi, wie sie auf dem Rücksitz im Auto ihres Vaters hockt und mit beiden Armen ein Buch umfasst hält. Das Mädchen ist neun Jahre alt und auf dem Weg zu ihrem ersten Aufenthalt in einem Ferienlager, dem sie skeptisch entgegenblickt. Im Kastanienbruch, einem idyllischen Ort, erwartet sie aber eine nette Truppe um Jugendmitarbeiterin Malin, die ganz aus dem Häuschen ist, als sie das Buch in Emmis Händen sieht: Das Regelwerk, eine Rollenspiel­an­leitung – denn eine, die sich damit auskennt, fehlt in Malins Gruppe. Das Regelwerk lautet auch der Titel des neuen Comics der deutschen Comic-Künstlerin und Illustratorin Ines Korth (2018 ist ihre Fantasy-Geschichte Massu, Schmiedstochter erschienen). Ein gelungenes Wortspiel, denn hier geht es darum, jungen Menschen ab acht Jahren zu erklären, was es mit der Regel, der Periode, dem weiblichen Zyklus auf sich hat.
Ines Korth verpackt ihren Erklär-Comic sehr geschickt in eine Ferienabenteuer-Geschichte. Sie zeichnet ihn in klaren, schwungvollen Linien und nutzt meist helle, freundliche Farben, dann aber auch blaugraue Tönungen für eine gruselige Nachtwanderung im Wald. Die Figuren sind überwiegend sympathisch angelegt – ein guter Ausgleich zu dem für Emmi und ihresgleichen verunsichernden Thema.
Emmi mit dem kecken Pferdeschwanz hat sich also im Kastanienbruch schnell in der kleinen Rollenspieltruppe unter Malins Anleitung eingefunden. In einem Zimmer mit Stockbetten hocken sie mit Keksen und Limo beieinander und schlüpfen in ihre jeweiligen Fantasie-Charaktere. Aber dann spürt Emmi plötzlich ein Ziehen im Bauch – sie bekommt zum ersten Mal ihre Tage. Ratlos und verunsichert hockt sie auf dem Klo, bis Malin nach ihr schaut. Die lässig-empathische Betreuerin mit blauen Haaren und Piercings im Ohr beantwortet geduldig alle Fragen, die Emmi und die anderen zu dem Thema auf dem Herzen haben, klärt sie über den Zyklus auf, über den ersten Besuch bei Frauenarzt oder -ärztin, über Wärmflasche und Menstruationstasse. Malins Kolleg*innen steuern ihre Erfahrungen in Unterhaltungen miteinander bei. So wird Das Regelwerk zu einem unaufgeregten, sympathischen und unterhaltsamen Aufklärungscomic. Und für Emmi ist der Spuk mit dem Blut am Ende des Ferienlagers erst einmal wieder vorbei.

Ines Korth: «Das Regelwerk».
Kibitz Verlag, 128 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 27.90 / € 18

Mörderjagd

Jonas Engelmann: «Ich schreibe euch dieses nicht zur Belehrung, sondern um mir in den langen Nächten die melancholischen Gedanken zu vertreiben», notierte Glikl bas Judah Leib, auch bekannt als Glückel von Hameln, in ihrer Autobiografie, die sie zwei Jahre nach dem Tod ihres Mannes 1689 für ihre zwölf Kinder zu verfassen begonnen hatte. In den ursprünglich nicht zur Veröffentlichung bestimmten Aufzeichnungen schrieb Glikl über ihre Kindheit und Jugend in Hamburg, ihr Elternhaus, ihre Heirat mit dem Goldhändler Chaim von Hameln, die Geburt und den Lebensweg ihrer Kinder, die Übernahme des Geschäfts nach dem Tod ihres Mannes, ihre Handels- und Familienbeziehungen, die sich über ganz Europa erstreckten, und die Gefahren ihres Geschäfts, nämlich Betrug und Überfälle und die antijüdischen Ressentiments ihrer Zeit. Und sie schrieb über das jüdische Leben in ihrer Heimatstadt Hamburg, unter anderem über einen Kriminalfall, der sich dort in den Achtzigerjahren des 17. Jahrhunderts ereignete. Diesen Mord hat sich der Zeichner Jens Cornils in Zeter und Mordio genauer angeschaut: Ein jüdischer Händler wird mutmasslich vom Sohn eines angesehenen Hamburger Bürgers ermordet, die jüdische Gemeinde ist daraufhin in Angst, dass Ermittlungen gegen den Mörder antisemitische Ressentiments schüren könnten – eine Befürchtung, die sich als gerechtfertigt herausstellt. Ein wütender Mob rottet sich vor dem Haus des Mörders zusammen, als die ermittelnden Repräsentanten von Stadt und jüdischer Gemeinde dort Spuren sichern, und skandiert: «Juden raus aus Hamburg!» Die Gemeindemitglieder Rebekka Lipmann und ihr Mann Schmuel ermitteln zunächst heimlich, können aber schliesslich dazu beitragen, den Täter dieses und eines weiteren Mordes zu überführen.
Jens Cornils gelingt es, dem düsteren Thema der antisemitischen Ausgrenzung – die Juden sind lediglich geduldet, weil sie vermeintlich Geld in die Stadt bringen, müssen aber stets mit ihrer Ausweisung rechnen – mit viel Humor in Wort und Bild zu begegnen und trotzdem den hinter den Bildern liegenden Ressentiments, mit denen Juden bis in die Gegenwart zu kämpfen haben, gerecht zu werden. Es gibt für die Hamburger Juden des 17. Jahrhunderts keine Sicherheit, niemanden auf den sie sich verlassen können, und so bleibt ihnen nichts anderes übrig, als ihren Schutz und ihre Verteidigung selbst in die Hand zu nehmen. Zeter und Mordio ist als Projekt des Instituts für die Geschichte der deutschen Juden entstanden und ist Teil des Bildungsprojekts Geschichtomat. Ihm sind viele weitere Leser*innen zu wünschen.

Jens Cornils: «Zeter und Mordio»,
avant-verlag, 224 S.,
Softcover, farbig,
CHF 37.90 / € 25

Gegenkulturelle Kollateralschäden

Christian Gasser: Nach dem Tod ihrer Grosseltern macht sich Monica auf die Suche nach ihrer Mutter Penny. Diese hat sie, als sie noch klein war, in den frühen 1970er-Jahren ihren Eltern anvertraut, um sich, nun ja, «selbst zu verwirklichen». Sie strandete, wie Monica herausfindet, in einer höchst bizarren, kranken Sekte – ein Kollateralschaden der post-68er Hippieszene.
Gleichzeitig erzählt Daniel Clowes in Monica die Lebensgeschichte der Titelheldin: Das Aufwachsen bei den liebevollen Grosseltern, eine erfolgreiche Karriere als Geschäftsfrau, der Ausstieg und die Suche nach der Mutter und schliesslich, mittlerweile grauhaarig und verschroben, ihre postpandemische Neuerfindung als Kerzenzieherin und Töpferin.
Daniel Clowes wäre aber nicht Daniel Clowes, wenn er Monicas Geschichte(n) linear erzählen würde. Clowes vermittelt ihre Biografie in neun Kapiteln, jedes erzählerisch wie zeichnerisch in einem anderen Stil und Genre: Gangsterstory, Teen-Romanze, Kriegsdrama, Gespenstergeschichte, okkulter Thriller, Detektivrätsel etc. Dass er das Spiel mit Genres und Stilen liebt und beherrscht, hat er in Büchern wie Ice Haven, aber auch schon in seiner Heftreihe Eightball hinlänglich bewiesen – und bringt es in Monica zu neuer Meisterschaft.
Die inhaltlichen, aber auch zeitlichen Zusammenhänge zwischen den Kapiteln und Monicas Lebensphasen erschliessen sich nicht immer sofort, Clowes führt uns immer wieder in die Irre, überspringt Jahrzehnte, um später wieder zurückzukehren – und schafft es doch, die verschiedenen Stränge und Stories zu einer fesselnden Geschichte zu verknüpfen.
Die fragmentierte Erzählweise ist Teil der tieferen Aussage von Monica. Zum einen entwirft Clowes ein düsteres und pessimistisches, ziemlich hoffnungsloses, mit schwarzem Humor geschärftes Kaleidoskop der USA seit den späten 1960er-Jahren und nutzt dabei Stilelemente, die die jeweiligen Epochen und Zeitgeister am besten verkörpern.
Zum anderen erlaubt es ihm auch, eine Geschichte zu erzählen, die hoch komplex und bis zum Schluss spannend ist – und doch nicht ganz aufgeht. Zwischen den Kapiteln klaffen Lücken, die nie gefüllt werden, auch die übersinnlichen Elemente – die Stimmen der Toten im mysteriösen Radioempfänger – werden nicht erklärt. Was wirklich geschehen ist, erfahren wir nicht mit abschliessender Gewissheit. Wie es in Monica keinen einheitlichen Stil gibt, gibt es keine eindeutige Wahrheit und keinen alle Fragen beantwortenden Schluss, es gibt keine Auf- und keine Erlösung. So lädt Monica dazu ein, immer wieder zurückzublättern und nach Indizien und Antworten zu suchen – und dabei entdeckt man immer wieder neue, bei früheren Lektüren übersehene Details.
Monica sei seine persönlichste Geschichte, betont Daniel Clowes in Gesprächen, und basiere auf eigenen Erfahrungen. Diese vermittelt er allerdings sehr verschlüsselt, ohne direkte Rückschlüsse auf sich zu erlauben. Das ist womöglich der Grund, warum Monica weniger kühl und deutlich emotionaler wirkt als seine anderen Graphic Novels.

Daniel Clowes: «Monica».
Aus dem Amerikanischen von Matthias Wieland,
Reprodukt Verlag, 106 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 37.90 / € 24

Machtspiele

Florian Meyer:Der Schweizer Comic-Zeichner Andreas Kiener hat etwas Ungewöhnliches geschafft: Seine Science-Fiction-Comics Unvermögen und Allmacht sind gleichermassen spannend, reflektiert, liebenswürdig und ausba­lanciert. Ihr Thema ist nicht trivial, geht es doch um das Leistungsvermögen künstlicher Intelligenz bei knapper werdenden Ressourcen – und um die Frage, wie sich Computer-Power in einer sich klimatisch schnell verändernden Welt gerecht nutzen und verteilen lässt. Diese Welt trägt dystopische Züge, die Erde ist eine Wüste, die Säugetiere sind ausgestorben, und nur wenige Menschen hausen in turmartigen Städten, die Reichen wie immer zuoberst. Unterstützt werden sie von sogenannten Shiemen, hochintelligenten Robotern, die zahlreiche Städte beherrschen, da sich die politische Elite in eine virtuelle Traumwelt zurückgezogen hat. Nur die Technologen und das politische Oberhaupt sind noch wach. Unter ihnen ist ein Richtungsstreit entbrannt, wie weit das Denk- und Prognosevermögen der Shiemen gehen darf – und ob ihnen eine Schranke zu setzen sei, bevor sie Allmacht erlangen.
Von alledem erfahren die Leser*innen wie nebenbei. Kiener ist ein eleganter Zeichner, der die Leser*innen mit leichter Feder und ohne schwere Worte führt. Atemberaubende ganzseitige Bilder geben Einblick in die Lebensumstände. Kiener setzt milde Farben und leicht schwebende Hintergründe ein, um die Aufmerksamkeit auf die pfiffigen Protagonist*innen zu lenken: Ali ist ein sechsjähriges Mädchen, das seine Mutter sucht, unterstützt wird sie von Rob, ihrem Shiemen, der aussieht wie ein übergrosser Teddybär. Die Menschen und Shiemen, die sie unterwegs treffen, sind ambivalent und in ihren Absichten kaum zu durchschauen. Schliesslich finden sie Alis Mutter. Das Wiedersehen währt nicht lange, da sie sich als Widersacherin des Chefwissenschaftlers entpuppt und sich der Machtkampf um die Zukunft von Shiemen und Menschen zuspitzt.
Die Liebenswürdigkeit der Hauptfiguren kontrastiert mit der Verbissenheit der Kämpfe um Macht und Ressourcen. Zugleich sind Ali und Rob der Grund, weshalb Unvermögen und Allmacht so viel Vergnügen bereiten. Zum Glück ist ihre Geschichte noch nicht zu Ende, und es bleibt auch abzuwarten, ob sich das Geheimnis um die unkonventionelle Seitenpaginierung löst. Eines hat Andreas
Kiener jedoch schon gezeigt: der Science-Fiction-Comic hat auch im deutschsprachigen Raum eine gute Zukunft.

Andreas Kiener: «Allmacht».
Edition Moderne, 160 S.,
Hardcover.
CHF 39 / € 34

Andreas Kiener: «Unvermögen».
Edition Moderne, 160 S.,
Hardcover,
CHF 39 / € 32

Illusionen und Depressionen

Christian Meyer-Pröpstl: Manch einer denkt bei dem Titel Die grosse Illusion an Jean Renoirs Antikriegsdrama von 1937; aber Parallelen zu Alessandro Totas gleichnamigem Comic müsste man an den Haaren herbeiziehen, ausser dass er zur selben Zeit spielt, an dem Renoirs Weltkriegsdrama realisiert wurde. Der Untertitel des ersten Bandes – New York, 1938 – klärt dann aber auf, dass wir an einem ganz anderen Ort und auch in einer komplett anderen Szenerie sind: Roberta, die eigentlich Diana heisst, lebt unter ärmsten Bedingungen zur Zeit der Grossen Depression (aha, Depression – Illusion) im sogenannten Dust Bowl in Kansas. Der Vater ist längst abgehauen, und auch Diana, die sich mit ihren Comics in eine andere Welt flüchtet, hält hier nichts mehr – sie will raus in die grosse und hoffentlich bessere Welt – New York! Dort mit neuem Namen angekommen, wird ihr das Geld geklaut, dass sie ihrer Mutter geklaut hatte. Mit etwas Glück landet sie bei den Kommunisten. Sie kommt bei einer jungen Frau unter, die bald eine Freundin wird, und arbeitet unentgeltlich für das politische Blatt The Rise of the Masses. Sie lernt tippen und schreibt auch bald eine erste Pulp-Story, was in den politischen Kreisen, in denen sie verkehrt, nicht sonderlich gut ankommt, aber als sie auf einen mittellosen Maler trifft, der für schnelles Geld Comics zeichnet und einen Szenaristen sucht, ist Roberta trotz dessen Zweifel, ob sie als Frau so etwas kann, zur richtigen Zeit am richtigen Ort. Sie lernt schnell, lernt auch schnell Gleichgesinnte kennen, bis hin zum Comic-Star Bob Kane, dem Erfinder von Batman.
Wie bereits Michael Chabon in seinem Roman Die unglaublichen Abenteuer von Kavalier & Clay (2000) über zwei junge jüdische Comic-Künstler im New York der späten 1930er-Jahre, widmet sich Alessandro Tota der frühen Comic-Industrie, die mit dem Aufkommen der Superhelden noch einmal stark an Fahrt gewinnt. Eine weitere Parallele ist die Homosexualität der Protagonist*innen. Da Tota seine Geschichte als Comic erzählt, kann er visuell auf die Metaebene klettern, indem Robertas Superheldinnen ihre Geschichte erzählen und er so auch immer wieder in die Story eingreifen lässt. Neben den vielen Einblicken in die oft korrupte und ausbeuterische Comic-Industrie zeigt Totas Comic auch die Anziehungskraft der Superhelden, die vielen Halt und Hoffnung in schwierigen Zeiten versprachen – den Leser*innen wie auch den Künstler*innen. Ein sehr lebendiger Blick ins quirlige, krisengeschüttelte New York – man darf gespannt sein auf die Fortsetzung!
Alessandro Tota: «Die grosse Illusion.

1 – New York, 1938».
Reprodukt, 248 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 42.90 / € 29

Unmögliche Leute

Mark David Nevins: Ich gebe nur ungern zu, dass ich die Lektüre von Impossible People: A Completely Average Recovery Story lange aufgeschoben habe, trotz der positiven Besprechungen, die das Buch erhalten hat, und zwar darum, weil mir die Art und Weise, wie die Autorin Julia Wertz sich selbst als Hauptfigur des Buches zeichnet, nicht gefiel.
Eines der zahlreichen anderen Bücher von Wertz, Tenements, Towers & Trash: An Unconventional Illustrated History of New York City, hatte mich ursprünglich zu ihrem Werk geführt. Es ist eine Art visuelle Tour, ein Liebesbrief an New York City, gezeichnet in einem fast obsessiv detaillierten Stil, den man chaotisch oder klaustrophobisch nennen könnte, wenn er nicht so schön wäre. TT&T habe ich in mein Regal der Lieblingsbücher über meine Wahlheimatstadt aus drei Jahrzehnten eingereiht, neben Klassikern wie Michael Henry Adams’ Harlem: Lost and Found, Lowlife von Luc Sante und Kafka Was the Rage von Anatole Broyard.
Also nahm ich einen neuen Anlauf und machte mich an Impossible People, gezeichnet in demselben wunderbar unübersichtlichen Stil, der mich an Hergé oder Jason Lutes erinnert. Diese Graphic Novel ist ein 300-seitiger Hardcover-Ziegelstein, aber hier ist Wertz’ Stil viel einfacher als in TT&T – meist zeigt sie Gespräche vor ganz einfachen oder sogar leeren Hintergründen, gelegentlich aber zeichnet sie auch virtuose Bilder von Strassensituationen, darunter ganzseitige Darstellungen, die als perfekte visuelle Dokumentationen der gezeigten Stadtteile dienen könnten.
Aber NYC ist nicht das Thema von Impossible People – die Hauptperson ist vielmehr eine einzelne «unmögliche Person», nämlich die Autorin selbst. In ihren grafischen Memoiren hält Wertz eine fünfjährige Reise durch Alkoholismus und Unglücklichsein bis hin zu Nüchternheit und vorsichtigem Optimismus fest. Das Buch ist schonungslos ehrlich und manchmal zum Brüllen komisch. Es ist voll von peinlichen Entgleisungen, noch peinlicheren Beziehungen, beruflichen Frustrationen und unangenehm vertrauten familiären Dysfunktionalitäten. Es ist eine der fesselndsten und wirkungsvollsten Memoiren, die ich je gelesen habe, ob als Comic oder in einer anderen Form. Ich würde es sogar auf eine Stufe mit den Bekanntesten im Graphic-Novel-Bereich stellen: David B., Pekar, Satrapi, Spiegelman. Und im Gegensatz zu vielen Sucht-Memoiren, die einen klaren Weg von der Katastrophe zur Genesung aufzeigen, fühlt sich Impossible People eher wie das wirkliche Leben an, nämlich nicht-linear, chaotisch und voller unerwarteter Wendungen und zweifelhafter Entscheidungen.
Die Kritikerin Gertrude Stein riet Ernest Hemingway: «Schreibe über das, was du weisst» – ein Ratschlag, der zu einer Handvoll Romane führte, die den Lauf der amerikanischen Literatur veränderten. Mit Impossible People hat Wertz eine Autobiografie geschaffen, die auf dem basiert, was sie weiss, und es ist um Längen besser als das meiste aus dem weiten Feld der autobiografischen Comics, weil sie Interessantes und Aufschlussreiches zu sagen hat und es uns mit einem ausgereiften Gespür für das Erzählen von Geschichten vermitteln kann.
Seit der Lektüre von Impossible People habe ich mir einige Videointerviews mit Julia Wertz angesehen. Sie kommt viel sympathischer, attraktiver und redegewandter rüber, als sie sich in diesem Buch darstellt. Nichts an ihr oder ihrer Geschichte ist «completely average», und genau das macht dieses Buch so gut.

Julia Wertz: «Impossible People:
A Completely Average Recovery Story»
Running Book Press, in englischer Sprache, 320 S.,
Hardcover s/w,
US $ 30

Der Heilige Gral, zweite Auflage

Giovanni Peduto: Zu Beginn ein Disclaimer: Entgegen den Rezensionsregeln halte ich während des Schreibens dieses Textes das besprochene Buch noch nicht in den Händen, die geplante Veröffentlichung im Sommer wurde auf Dezember verschoben. Aber was sind ein paar Monate Verspätung für ein Buch, das Superhelden-Aficionados als Heiligen Gral verehren und das seit dessen Entstehung vor über 40 Jahren auf eine Neuveröffentlichung wartet. Die Rede ist vom 1982 DC Comics Style Guide, einer Loseblattsammlung, die Lizenznehmern als Vorlage für Merchandising-Produkte dienen sollte. DC-Charaktere wie Superman, Batman, Wonder Woman und weitere Helden und Schurken, sowie weniger bekannte Nebenfiguren sollten einheitlich und – wie auf den über 200 Seiten abgebildet – auf Lunchboxen, Tassen, T-Shirts oder Action-Figuren erscheinen. Das Handbuch leuchtet die Superhelden von allen Seiten aus und gibt die Pantone-Farbpalette für die bunten Elastan-Kostüme an. Das Handbuch entstand in einer Zeit, in der die DC-Charaktere entstaubt und modernisiert werden sollten, um dem erfolgreichen Rivalen Marvel den Platz streitig zu machen. Ein paar Jahre zuvor hatte Jenette Kahn für das Rebranding des Verlages den Platz als Verlegerin eingenommen. Sie beauftragte den spanisch-argentinischen Zeichner José Luis García-López, zusammen mit dem Inker Dick Giordano, die Bilder für den Style Guide zu erschaffen. Dank seines dynamischen, sauberen Zeichenstils und den klaren Linien gilt García-López seither als Homer der 1980er-Superhelden-Mythologie. Der Style Guide ist mit ein Grund, warum der sonst weniger bekannte Zeichner von vielen Fans heute noch verehrt wird. Auch wem der Name nichts sagt, comiclesende Kinder der 1980er werden unbewusst seine Ästhetik wiedererkennen und einen Hauch von Super-Nostalgie spüren.
Schon bald bekam die Fangemeinschaft Wind von diesem Dokument. Sammler ergatterten sich Kopien (die angeblich online für viel Geld versteigert werden) und der Wunsch nach einer offiziellen Neuveröffentlichung nahm über die Jahre stetig zu. Und nun hat sich der Verlag also entschlossen, ein Faksimile des Style Guides herauszugeben. Die dafür beauftragte Firma Standard Manuals hat die Fans bezüglich der Verspätung damit vertröstet, dass sie qualitativ das Beste herausholen möchten und darum noch einen extra Aufwand betreiben will. Die Fans warten geduldig …

José Luis García-López, Paul Levitz,
DC Comics Inc.: «1982 DC Comics Style Guide».
Standards Manual, in englischer Sprache,
New York 2024. 384 S.,
Hardcover, farbig und s/w,
US $ 95

Zwei Grossmeister des Kuriosen

Matthias Schneider: Kurz nach dem Ableben von Edward Gorey kursierte unter seinen Freund*innen und Fans folgender Witz: «Edward Gorey ist Engländer. Edward Gorey lebte zu Zeiten von Queen Victoria. Edward Gorey ist tot. Eine der drei Behauptungen ist zutreffend.» Wer mit Goreys Werken erstmals in Berührung kommt, verortet sie und den Schöpfer tatsächlich im viktorianischen Zeitalter. Es sind der makabre Humor, die absurd-fantastischen Geschichten, das egozentrische Figurenkabinett, das Setting der Jahrhundertwende sowie sein Zeichenstil, die dies vermuten lassen. Denn Gorey war ein Meister der Kreuzschraffur, und wie Walter Moers, der Autor des hier besprochenen Buches, ein grosser Verehrer von Gustave Doré. Im Vorwort stellt Moers eine aufschlussreiche Frage: «Haben wir es mit einem freien Künstler oder mit einem Illustrator, mit einem Schriftsteller oder einem Zeichner, einem Nonsense-Dichter, einem Gothic-, Horror- oder einem Kinderbuchautor, einem Surrealisten oder einem Humoristen zu tun?» Ganz klar eine Frage, die man Moers ebenso stellen könnte, die Verwandtschaft der beiden Zeichner ist durchaus sichtbar. Im Buch Edward Gorey – Grossmeister des Kuriosen erzählt Moers, wie sich Edward Gorey, 1925 in Chicago geboren, in New York zunächst als Illustrator verdingt und Covers für literarische Klassiker gestaltet; am Ende seines Lebens werden es über 500 sein, für die er zum Teil auch spezielle Schriften entwickelt und einzelne Zeichnungen beigesteuert hat. Er ist über 30 Jahre lang Dauergast des New York City Ballets, und so findet man in seinem Nachlass um die 5000 Eintrittskarten. Betrachtet man Goreys Figuren, so wohnt ihnen allen etwas Tänzerisches inne, ob in Körperhaltung oder Ausdruck. Und die Hintergründe erinnern oft an Kulissen, Gegenstände sind wie Requisiten arrangiert. Um Goreys Welt besser erfahrbar zu machen, bedient sich Moers bei seinem Buch eines Kunstgriffs, einem Gorey-Alphabet. Denn Gorey liebte Alphabetbücher, er besass nicht nur eine umfangreiche Abecedarien-Sammlung, sondern verfasste und gestaltete selbst sechs solche Bücher. Moers versammelt im Buch die folgenden Geschichten: Eine Harfe ohne Saiten, Der fragwürdige Gast, Die Kleinen von Gashlycrumb, Der Westflügel, Die Stimmgabel und Der Wackelhump. In seinen Zeichnungen als auch seinem Leben hat sich Gorey eine eigene Welt erschaffen. Ab 1985 lebte er zurückgezogen ausserhalb von New York in seinem Elephant House, umgeben von Unmengen von Dingen aus vergangenen Epochen, auf Flohmärkten gesammelt. Und um auf den Eingangswitz zurückzukommen. Wahrscheinlich lebte Gorey tatsächlich im viktorianischen Zeitalter, und er war mehr Engländer als mancher Engländer, wenn er sich exzentrisch in Pelzmantel und Turnschuhe kleidete und dazu auffälligen Schmuck trug. Und wahrscheinlich ist er gar nicht gestorben, denn seine Kunst, fantastische Welten zu erschaffen, lebt im Werk von Walter Moers weiter. Eine schönere Referenz konnte Walter Moers seinem zeichnerischen Vorbild zum bevorstehenden 100. Geburtstag nicht machen, als mit diesem wunderbaren Buch.

Walter Moers: «Edward Gorey – Grossmeister des Kuriosen»,
Aufbau Verlag, Die andere Bibliothek, 408 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 79.90 / € 68

Neongreller Seifenspender-Buddha

Christoph Schuler: Sandro Ramseiers Erstling Shantiland sticht schon auf zwanzig Meter Distanz wegen der irren Leuchtfarben ins Auge, und grellbunt in jeder Beziehung ist auch der Inhalt. Vermutlich deshalb wird auf den Vorsatzblättern für «Sonnenbrillen für das Dritte Auge» geworben, nebst allerlei esoterischen Artikeln. Da gibt’s «Delfin-Brunstgesänge mit Walgeschrei und Ententanz», UFO-Bücher von «Erich von Diarrhö» oder seifenspendenden Buddha-Figuren «für innere und äussere Reinheit». All das sind «Special Offers» von Shanti Vision Enterprise, dem Unternehmen, das Arno, der Protagonist in Shantiland, von seinem Vater übernommen hat und dem er eher widerwillig vorsteht. Die Figur des Arno erinnert stark an den 2020 verstorbenen Mike Shiva, der einst mit kostenpflichtigen «Wahrsage-Sendungen» auf einem Schweizer TV-Privatsender die Leute abzockte und sich damit ein angenehmes Leben leistete. Ramseiers kettenrauchender Arno hingegen hat den Luxus, mit dem er sich umgibt, längst über. Irgendwie möchte er aus seinem goldenen Käfig ausbrechen, sich von seinem untoten Vater lösen, dessen auf immer und ewig konservierter Kopf unter einem Glassturz weiterlebt und stets zur Stelle ist, um Arno als Verlierer und Schlappschwanz fertigzu­machen. Als Arnos jüngste Attraktion im Shantiland-Vergnügungspark, die Virtual Reality Near Death Experience, schon bei der Première nicht nur grandios scheitert, sondern auch in einem Blutbad endet, will Arno endgültig aussteigen, doch seine Mutter, eine Art laszive blonde Windhündin, hat andere Pläne mit ihrem labilen Sohnemann; sie bringt ihn zum Shin Shoyu Healing Resort, wo er, zusammen mit anderen Figuren wie Ronald McDonald, Globi oder Lisa Simpson, sein Ich ablegen und mit dem Universum verschmelzen soll. Arnos Kommentar zum ganzen Hokuspokus: «Verdammte Fickscheisse». Statt mit allem eins zu werden, zwängt er sich in einem Akt ödipaler Verzweiflung zurück in die Eierstöcke seiner Mutter und von dort aus weiter in einen von freudianischen Symbolen und Figuren wimmelnden Neon-Dschungel, immer verfolgt von riesigen Vulven und Schwänzen …
Ramseiers Buch, das stilistisch an die Pop-Art-Comics der späten Sechziger- und frühen Siebzigerjahre, speziell auch an Heinz Edelmanns Beatles-Trickfilm Yellow Submarine erinnert, besticht mit seiner Fülle an originellen Ideen, mit wunderbar detailversessenen Wimmelbildern, mit der meisterlichen Gestaltung der Panels und Seiten. Die Geschichte selbst dürfte etwas straffer erzählt sein und den Texten hätte ein Lektorat nicht geschadet, aber ich hoffe sehr, dass Ramseier sehr bald ein weiteres Album vorlegen wird.

Sandro Ramseier: «Shantiland».
Luftschacht Verlag, 104 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 33.90 / € 22 –
Das Buch kann auch direkt beim Autor bestellt werden:
www.sandroramseier.ch/shantiland

Ein Werwolf namens Versailles

Barbara Buchholz: Das Geheimnis transformierender Körper beschäftigt eine Gruppe Gelehrter am Institut für Zeitgenössische Wissenschaften einer französischen Kleinstadt am Ende des 19. Jahrhunderts. Sie haben einen lebenden Werwolf eingefangen und ihn zu Forschungszwecken in einen Käfig gesteckt. Nur traut sich keiner der Herren näher an die unbekannte Kreatur heran. Da trifft es sich gut, dass die Studentin Margo gerade ihr Praxissemester am Institut antritt. Ihre «weiblichen Instinkte», so die Professoren, qualifizierten sie von Natur aus nicht nur dafür, Tee zu kochen, sondern auch für die tägliche Pflege des Forschungsobjekts.
In ihrem Comic-Debüt Meute schildert die Hamburger Zeichnerin Noëlle Kröger Margos wissenschaftliche Ambitionen und ihre vorsichtige Annäherung an die Chimäre hinter Gittern. Kröger geht dabei grafisch kreativ vor und stellt die Zeichnungen in den Dienst der Erzählung. In schroffen Strichen jagt etwa die Meute der Werwölfe in Schattierungen von Grün und Grau durch den Wald oder flieht vor den Flinten der Jäger; dabei brechen die Linien aus den Panels aus, manchmal gibt es gar keine Begrenzung. Aus feinen Linien entsteht Margos Gesicht mit spitzer Nase und aufmerksamen Augen, das sich – in einer Abfolge kleiner quadratischer Panels und in zarten Rosé-Tönen – in einem breit grinsenden Strichgesicht auflöst, voll übermütiger Freude über die Aussicht, den Werwolf aus nächster Nähe studieren zu können.
Margo ist als einzige Frau am Institut eine Aussenseiterin, eine Exotin, ebenso wie der Werwolf namens Versailles; das schafft eine wenn auch ambivalente Verbindung zwischen den beiden – Margot möchte das Geheimnis der Transformation vom Wolf zum Menschen erforschen, Versailles will zum Rudel zurück, das sich vor den Menschen verstecken muss.
Meute ist eine unterhaltsame Geschichte um eine ehrgeizige junge Forscherin, die sich in einer Männerdomäne durchsetzen muss. Es stellt aber auch Rollen- und Körperbilder in Frage. Und obwohl es leicht gewesen wäre, dem Comic ein versöhnliches Happy End zu verpassen, lässt Kröger ihn stimmig auf einer zweifelnden Note enden.

Noëlle Kröger: «Meute».
Reprodukt, 232 S.,
Softcover, farbig,
CHF 38.90 / € 26

Endspiel

Jonas Engelmann: «Ist das Leben komisch? Vielleicht», erklärt der Erzähler Giuliano in Aufzeichnungen für eine Kriegsgeschichte, der umfangreichsten Story aus Gipis Geschichten aus der Provinz. «In San Giuliano waren die Häuser intakt, die Geschäfte geöffnet. Es gab eine Kirche, einen Fussballplatz, eine Diskothek. Es schien, als gäbe es überhaupt keinen Krieg». Obwohl diese Geschichte schon 2004 entstanden ist, passt sie – leider – perfekt in die europäische Gegenwart, in die düstere, depressive Stimmung, die sich nach Covid, dem Beginn des russischen Angriffskrieges auf die Ukraine, dem politischen Rechtsruck und angesichts der allgemeinen Weltlage ausgebreitet hat.
In Aufzeichnungen für eine Kriegsgeschichte müssen sich die drei Protagonisten in einem zeit- wie ortlosen Kontinuum zurechtfinden. Einzig einige Andeutungen weisen dem Comic die Gegenwart oder nahe Zukunft zu: «Damals war ich 17 und meine Hauptbeschäftigung waren Computerspiele. Mein Lieblingsspiel war Battlefield 1992». Vom Land, wo Dörfer über Nacht von der Landkarte gebombt werden, ohne dass man je erfahren würde, wer hier eigentlich wen bekämpft, verschlägt es die Protagonisten als Kleinkriminelle im Auftrag eines Söldners in die Grossstadt, die bisher von den Unruhen verschont geblieben ist. Doch auch in der Stadt begegnen die drei kaum einem Menschen, sie ist menschenleer und beschädigt, spiegelt den Zustand der Protagonisten, ebenso wie die in Grautönen angelegte Farbgebung der ursprünglich als Aquarelle umgesetzten Zeichnungen: «Ich hatte nie jemanden. Man hat mich immer von einer Familie zur nächsten geschoben. Mir ging’s immer beschissen». Lediglich der Erzähler Giuliano hat einen intakten familiären Hintergrund, zu dem er zurückkehren kann, während seine Freunde in den Krieg ziehen. Diese sozialen Unterschiede verfolgen den Erzähler bis in seine Träume.
Aufzeichnungen für eine Kriegsgeschichte ist immer dann besonders stark, wenn Gipi die Erlebnisse der drei Protagonisten nicht erklärt oder Schuldige sucht. Weder die Ursachen des Krieges noch dessen Verlauf werden aufgeklärt. «Die Menschheit vegetiert kriechend fort nach Vorgängen, welche eigentlich auch die Überlebenden nicht überleben können, auf einem Trümmerhaufen, dem es noch die Selbstbesinnung auf die eigene Zerschlagenheit verschlagen hat», beschrieb Theodor W. Adorno einmal die Verstörung, die Becketts Theaterstücke bis heute ausüben – eine ähnliche Beklemmung stellt sich auch beim Lesen dieses Comics ein.
Im Sammelband enthalten sind ausserdem die kürzeren Comics Die Unschuldigen und Sie haben das Auto gefunden, die beide bereits an anderen Orten erschienen sind, sowie die unveröffentlichten Stories Zwei Pilze und Die tote Hand, die beide die Struktur des Mediums Comic aufbrechen und völlig neue Wege beschreiten.

Gipi: «Geschichten aus der Provinz»,
avant-verlag, 208 S.,
Hardcover, teilw. farbig,
CHF 32.90 / € 35

Mit einem sanften Plopp

Christian Gasser: Das Problem mit guten Freundinnen und Freunden ist ja, dass man sie für selbstverständlich hält und ihre Freundschaft, ihre Qualitäten, ihre Loyalität zu selten ausdrücklich würdigt. Bei Künstlerinnen und Künstlern ist das kaum anders. Seit wie vielen Jahren sind Katz & Goldt Teil meines Lebens? Wie viele Katz-&-Goldt-Alben stehen in meinem Regal? Alle zwei Jahre gesellt sich ein neuer Band mit kurzen Comics und Humorzeichnungen dazu, jeder Band ist mindestens so gut und erheiternd wie der vorhergehende, jeder löst beim Lesen Glücksgefühle aus. Wie gute Freunde aber wirkt ein neuer Katz & Goldt mittlerweile wie eine Selbstverständlichkeit – wann habe ich meine Begeisterung letztmals öffentlich geteilt?
Das soll hier nachgeholt werden, denn die Comics von Katz & Goldt sind alles andere als Selbstverständlichkeiten, sie bleiben auch im 17. Band Iggy Pop hin, Iggy Pop her. Ich will Radieschen Einmaligkeiten.
Max Goldts Geschichten und Betrachtungen leben von seinem eigenartigen, vorurteilsfreien Blick auf unsere Welt und unsere Zeit; sie leben von den unerwarteten, immer wieder verblüffenden, gerne ins Absurde abrutschenden Assoziationen, (Selbst-)Reflexionen und Brüchen. Was Goldt mit Begriffen wie Veganuary, Vertrauenskrise, Body Positivity und anderen Floskeln, mit Trendfirmen wie «Zeit für Brot» und ihren Zimtschnecken und mit dem Verschwinden von Telefonzellen anstellt – es lässt sich, wie alle guten Witze, nicht nacherzählen, es ist aber, glaubt mir, «atemberaubend unwoke» (so der selbstironische «Pseudosticker» auf dem Cover) und vor allem richtig komisch. Komisch allerdings auf die feine Max-Goldt-Art, subtil also, und lieber eine Langzeitwirkung anpeilend, denn zwanghaft eine Pointe oder einen Zeitkommentar ansteuernd. Die meisten der maximal zwei Seiten kurzen Comics enden ohne klassischen Gag, sie lösen sich mit einem sanften Plopp auf, und der Witz schwebt lange weiter.
Goldts Texte wären aber hilflos ohne die Bilder von Stephan Katz. Seine Zeichnungen verbinden den Charme des angejahrten klassischen und grob gerasterten Comicbilds mit der verfremdenden Kühle zeitgenössischer Gestaltung. Sie muten zeitlos an, und setzen nicht zuletzt deshalb Goldts Humor kongenial um.
Die Comics von Katz & Goldt gehen, wie sie kommen: leise, mehrdeutig und unprätentiös. Aber voller Hintersinn und Klugheit. Das hat sich in den bald dreissig Jahren ihrer Zusammenarbeit wenig verändert, höchstens verfeinert, und ähnlich wie diese hätte auch eine Rezension vor zwanzig Jahren klingen können. Der Titel ihres mittlerweile 17. gemeinsamen Bands ist allerdings neu und ein echter Ohrwurm: Iggy Pop hin, Iggy Pop her. Ich will Radieschen. Dieses Buch beschert mit der Zuverlässigkeit eines guten Freunds wunderbare Augenblicke, wie man sie nur mit echten Freundinnen und Freunden verbringt.

Katz & Goldt: «Iggy Pop hin, Iggy Pop her. Ich will Radieschen».
Edition Moderne, 88 S.,
Hardcover, farbig
CHF 29.80 / € 25

Leben zwischen Repression und friedlicher Reform

Florian Meyer:Wie prägt politische Repression einen Menschen? Eindrücklich beantworten die Autorin Yu Pei-yun und der Zeichner Zhou Jian-xin dies in ihrer Graphic Novel über den taiwanesischen Comic-Verleger und Werber Tsai Kun-Lin (1930–2023). Dessen Biografie schildert berührend, wie ein junger Mann verhaftet wird, nur weil er politisch verpönte Literatur liest. Als Zwanzigjähriger wird Tsai Kun-Lin 1950 vom Kuomintang-Regime für zehn Jahre auf der Gefangeneninsel Lü Dao interniert. Täglich erlebt er Indoktrinierung, Gewalt und Zermürbung – die Ironie des Schicksals will es, dass er, obwohl als «kommunistischer Spion» verurteilt, Mao Zedongs Parolen erst durch die Umerziehung im Lager kennenlernt.
Nach seiner Entlassung steigt Tsai Kun-Lin in die Werbung und ins Verlagswesen. Trotz ständiger Überwachung der Polizei hat er Erfolg: Er entwirft das stilbildende Jugendmagazin Prinz, das didaktisch wertvolle Manga veröffentlicht, sowie die erste Autowerbung Taiwans. Als zwei Tsunamis die Prinz-Büros zerstören, geht er Konkurs – dabei verlieren auch Freunde und Verwandte viel Geld. Ihm und seiner Familie bleiben nur ein Zimmer mit Bett und Schrank. Doch das Gefängnis lehrte ihn, in der Not gelassen zu handeln, und wenn es sein muss, wieder von vorne anzufangen.
Sein Resümee brennt sich ins Gedächtnis wie die Narben in die Haut der Häftlinge: «Was zählt», sagt Tsai Kun-Lin am Ende seines Lebens, «ist nicht Revolution, sondern friedliche Reform. Friedliche Veränderung ist der einzig richtige Weg, ganz gleich, ob es sich um einen Staat oder um ein Unternehmen handelt.» Sein Leben spiegelt Taiwans Geschichte seit dem Zweiten Weltkrieg: Auf Japans Kolonialherrschaft folgte das autoritäre Regime der Kuomintang, das bis 1987 mittels Kriegsrecht regierte, bevor sich in den 1990er-Jahren die Demokratie etablierte.
Yu Pei-yun und Zhou Jian-xin schildern das individuelle Schicksal und die Entwicklung der Insel ruhig und sachlich, ohne zu verharmlosen. Grandios ist, wie Zhou Jian-xin seinen Stil den Lebensumständen angleicht und in jedem Band eine eigene Stimmung erzeugt. Mit dem zunehmenden Alter des Protagonisten und der politischen Wende werden die Zeichnungen realistischer und offener. Yus und Zhous Graphic Novel schliesst als Plädoyer für demokratische und individuelle Selbstbestimmung. In Taiwan erschien sie 2020. Auf Deutsch wird sie von Baobab Books verlegt, einem Schweizer Verein, der sich für Respekt und kulturelle Vielfalt in der Kinder- und Jugendliteratur einsetzt.
Yu, Pei-yun (Text), Zhou, Jian-xin (Illustration):

«Tsai Kun-lin. Eine Graphic Novel aus Taiwan».
4 Bände. Baobab Books, Softcover, farbig,
je CHF 28 / € 26
Band 1: «Der Junge, der gerne las», 168 S.
Band 2: «Die gestohlenen Jahre», 180 S.
Band 3: «Ein neues Leben», 176 S.
Band 4: «Was bleibt», 168 S.

Darling, Zack, Action

Christian Meyer-Pröpstl: Die jungen Protagonist*innen heissen Darling, Zack, Action, Giraffa oder auch Love Warrior. Alle zum Freundeskreis Gehörenden werden zu Beginn des Comicdebüts Hohle Parole der schwedischen Zeichnerin Cecilia Vårhed einzeln vorgestellt. Und das ist gut, sonst könnte man bei diesem illustren Figurenarsenal leicht den Überblick verlieren, ganz zu schweigen von den Beziehungen untereinander. Darling, die mit Trust Issues zu kämpfen hat, wohnt gratis bei Giraffa und kriegt den Arsch nicht hoch, bis sie rausgeschmissen wird und von da an bei Molligan wohnt. Molligan ist unsterblich in seine polyamore Freundin Ingrid verliebt, leidet aber unter deren anderen Liebschaften. Da hilft auch seine Affäre mit der Ausser­irdischen namens Love Warrior nicht. Zack funkt immer mit guten Ratschlägen dazwischen und der von seinen Eltern gut abgesicherte Alfons hat sich so gar nicht im Griff. Klingt alles ziemlich ungewöhnlich und gewöhnlich zu gleich. Genau so sind die Figuren gezeichnet: Irgendwie normal und zugleich wie eine psychedelische, dadaistische Zirkustruppe. Doch am Ende bewegen sie vor allem Alltagsprobleme: Liebe, Sex, Arbeit, Glück – wie bringt man das auf die Reihe? Cecilia Vårheds Generationsporträt begleitet eine Handvoll Neurotiker*innen, die versuchen, ihren Alltag zwischen Selbstzweifeln und Selbstüberschätzung, Einsamkeit und Sozialphobie, Prüderie und Kinkyness zu meistern. Das ist zwar stellenweise so traurig, wie man es sich zunächst vorstellt, oft aber auch quietschbunt und fantasievoll. Tatsächlich wird das Szenario immer absurder, und dabei überraschenderweise zugleich immer wahrhaftiger

Cecilia Vårhed: «Hohle Parole».
Edition Moderne, 232 S.,
Softcover, farbig,
CHF 29.80 / € 26

Durch den Alltag mit Ernie und Bert

Giovanni Peduto: Zugegeben, auch ich versuche mein Möglichstes beizutragen, damit unsere Welt eine bessere wird. Aber dann bleibe ich doch vor dem Bildschirm kleben, um noch eine weitere Folge der letzten Hit-Serie auf dem Streamingdienst zu schauen. Daher kann ich mich gut mit dem Wurm in Nadine Redlichs Doing the Work identifizieren, der sich schon irgendwann um die Zukunft der Menschheit kümmern wird, aber weiter in seinen Laptop glotzt. Dabei gibt es heute doch unzählige Ratgeberliteratur, wie man in der heutigen Welt sich selber zum unfehlbaren Menschen optimieren kann. Redlichs Cartoon-Sammlung nimmt mit Hilfe von knuddligen Figuren, anthropomorphen Esswaren oder leblosen Gegenständen Selbsthilfe-Bestseller wie How to Do the Work: Recognize your Patterns, Heal from Your Past, and Create Your Self auf die Schippe. Sie umarmt Prokrastination, Apathie, Faulheit und sinnlose Repetition. Doing the work hat sich in den letzten Jahren in den USA als Redewendung für Weltverbesserer und sogenannte «Selbstheiler» etabliert, wobei «work» etwas bezeichnet, das nicht von heute auf morgen erreicht wird, und obwohl es mit Freude und Optimismus angegangen werden soll, oft schwierige und schmerzhafte Arbeit bedeutet. Diese schmerzhafte Arbeit vermeiden Redlichs Charakteren in ihrem Buch bewusst. Sie geben auch mal einen Scheiss auf alles, was sehr erfrischend ist. Ein Ei schafft es nicht, aufrecht zu stehen und gibt, auf der Seite liegend, ein «I’m never confortable» von sich. Eine Sonne geht auf – wie jeden Tag – und zeigt den Finger. Eine Knuddelfigur zeigt sechs Panels lang das gleiche Lachen, in einem Strip mit dem Titel «Happy Forever». Redlichs Gestalten scheinen aus der Sesamstrasse zu stammen und wir können eine Menge von ihnen lernen: Wie man den Alltag anders an­gehen und wie man sich weniger ernst nehmen könnte.

Nadine Redlich: «Doing the Work».
In englischer Sprache.
Rotopol, Kassel 2024. 96 S.,
Softcover, farbig.
CHF 27.90 / € 18

Voll in die Eier

Matthias Schneider: Was man als Erstes im Geschichtsstudium lernt, ist, dass Geschichte von den Gewinnern geschrieben wird und man deswegen die jeweiligen Quellen entsprechend kritisch betrachten muss. Wenn in den 100 besten Songs, die in den Medien veröffentlicht werden, nur drei Frauen gelistet werden, und davon zwei weisse, dann ist dies ein Beleg dafür, wie sehr auch die Geschichte der Popmusik von den Gewinnern geschrieben wird – nämlich von weissen Männern, die sie dominieren, ob als Interpreten, Musiker, Kritiker, Fans, Booker oder Konzertveranstalter. Big Mama Thornton wurde nicht reich, mit ihrem Hound Dog, sie starb verarmt. Elvis Presley mit seiner Weichspülversion verdiente dagegen um so mehr. Frauen werden in der sich gern als liberal und kulturell aufgeschlossen bezeichnenden Musikindustrie bevorzugt als Beiwerk gesehen, entweder als Groupies oder, wenn sie auf der Bühne stehen, sollen sie doch bitte schön und erotisch sein, aber keine eigene Persönlichkeit haben. Starke Frauen auf der Bühne, die sich für ihre Rechte und eine selbst definierte Sexualität einsetzen, die dominant und genial sind, stehen sofort auf der Abschussliste. Erst recht, wenn sie dazu noch schwarz sind, lesbisch, bisexuell oder nicht dem männlichen Schönheitsideal entsprechen. Gerne wird auch bei Frauen der Konsum von Drogen herausgekehrt. Doch während Männer dafür verehrt werden, dass sie vollgepumpt mit Heroin, Koks, Alkohol oder sonstigen Aufputschmitteln Konzerte bestreiten, wird es bei Frauen als eine Form von Schwäche ausgelegt. Tania Salvador aka La Rata ist eine spanische Tätowiererin und Illustratorin, die nun mit ihrem illustrierten Buch Give it to me eine Gegengeschichte der populären Musik veröffentlicht hat. Der Verlag preist es zwar als eine Graphic Novel an, doch es handelt sich tatsächlich nur um illustrierte Wortbeiträge. Diese aber schreiben die Popgeschichte neu, und zeigen wunderbar auf, dass Frauen die eigentlichen Rebellinnen der Musikkultur, Männer aber die eigentlichen Weicheier sind.
Der Ventil-Verlag hat eine besondere Comic-Reihe, in der Zeichnerinnen und Zeichner Songs interpretieren. Jede Ausgabe ist einer Band gewidmet, für die Künstler*innen eingeladen werden, zeichnerische Coverversionen zu schaffen. Die aktuelle Ausgabe beinhaltet 10 Songs der Band Trio, deren «Da, Da, Da»-Hit damals ziemlich enervierend in Dauerschleife lief. Aber nicht nur im deutschsprachigen Raum waren die drei erfolgreich, sie traten damit auch bei Top of the Pops auf und hatten in Kanada sogar Doppel-Platin-Status. Kaum zu glauben, bei einer Formation, die einen eigenwilligen Stil aus Minimalismus, Punk, Nonsens und berührenden Texten schufen, die man bei dem Hit zunächst nicht erwarten würde. Wie verstört wird mancher «Da-Da-Da»-Fan beim ersten Stück des Albums reagiert haben, wenn es mit dem Punkrock-Stück Los, Paul. Du musst ihm voll in die Eier hauen. losging. Jeder Trio-Song steht für sich selbst, textlich und musikalisch, und fügt sich doch in das Trio-Gesamtkonzept ein. Entsprechend unterschiedlich sind auch die Comic-Versionen, die von Helena Baumeister, Klaus Cornfield, Jul Gordon, Nicolas Mahler, Mawil/Gregor Hinz, Amelie Persson, Nadine Redlich, Sandra Rummler, Jan Soeken und Dominik Wendland geschaffen wurden. Ab dafür ist ein grossartiges Comic-Mixtape, mit der sich die Vielfalt der Trio-Songs noch einmal neu entdecken lässt.

Tania Salvador aka La Rata: «Give it to me!».
Laurence King Verlag, 256 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 51.90 / € 36

Gunther Buskies und Jonas Engelmann (Hsg.): «Ab dafür. 10 Trio-Songcomics».
Ventil Verlag, 112 S.,
Hardcover, farbig,
CHF 38.90 / € 25